風城黑鷹
善待自己的身體
巴黎奧賽博物館：印象派的色彩
奧賽博物館（Musée d'Orsay）就坐落在法國巴黎塞納河左岸，河對岸正對著盧浮宮, 從塞納河上看奧賽博物館是這樣的。
奧賽博物館原本是奧賽火車站（Gare d'Orsay），建於1898年至1900年，當時是專門為1900年巴黎世博會接待貴賓和長途列車旅客而建。後來，火車站因月台過短而被廢棄，1977年法國政府決定將其改建為美術館，最終於1986年12月9日正式開放。奧賽博物館主要收藏1848年至1914年期間的西方藝術作品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、裝飾藝術等。其最大亮點是世界上最豐富的印象派和後印象派收藏，包括：
印象派大師：莫奈（Claude Monet）——《睡蓮》《魯昂大教堂》《草地上的午餐》；馬奈（Édouard Manet）——《草地上的午餐》《奧林匹亞》；雷諾阿（Pierre-Auguste Renoir）——《煎餅磨坊的舞會》
後印象派大師：梵高（Vincent van Gogh）——《自畫像》《星夜》，《阿爾的臥室》；高更（Paul Gauguin）——《我們從哪裏來？我們是誰？我們往哪裏去？》；塞尚（Paul Cézanne）——《玩紙牌的人》《聖維克多山》
現實主義 & 象征主義藝術家：米勒（Jean-François Millet）——《拾穗者》《晚禱》；庫爾貝（Gustave Courbet）——《世界的起源》《篩麥婦》；穆夏（Alphonse Mucha）——新藝術風格作品。
奧賽博物館的獨特之處在於將它的曆史底蘊和所收藏的藝術珍品完美地融合在一起。高聳的拱形玻璃屋頂灑下柔和的光線，映照著一件件穿越時空的傑作。來到巴黎，我們第一個參觀的博物館就是它。因為從住處過橋，走不遠就到達奧賽博物館，讓我們一同重溫那些讓我們仰慕很久的一些藝術品，感受它們所散發出的一些魅力吧。
走到奧賽博物館門前，就會看到幾個人物雕像和一座非常引人注目的青銅犀牛雕像，它們都源於19世紀的藝術和曆史背景，具有一定的象征意義和故事。
犀牛雕像的故事，創作時間：原版約在1878年， 由雕塑家Henri-Alfred Jacquemart（亨利-阿爾弗雷德·雅克馬）製作。這尊青銅犀牛最早是為1878年巴黎世界博覽會（Exposition Universelle）製作的，當時它與其他動物雕像一起陳列在特羅卡德羅宮（Palais du Trocadéro）前。20世紀博覽會結束後，這些動物雕像被移走，犀牛雕像最終在奧賽博物館外重新安置。犀牛代表了19世紀法國對異域文化和自然世界的興趣，也表現了工業革命時代對自然的觀察和再現。
人物雕像：六座城市的寓言雕像
奧賽博物館門前的台階上，分布著六座大型人物雕像，分別象征下麵法國六大城市，也是為1878年巴黎世界博覽會而作。這些雕像以女性形象象征各城市的文化、經濟和曆史特征，比如馬賽以航海著稱，裏昂代表絲綢貿易，雕像風格為19世紀晚期典型的新古典主義，體現當時法國對自身文化與曆史的自豪感，
- 波爾多（Bordeaux）
- 裏爾（Lille）
- 南特（Nantes）
- 馬賽（Marseille）
- 裏昂（Lyon）
- 魯昂（Rouen）
奧賽博物館的靈魂：宏偉的大廳與曆史的印記
當我們走進奧賽博物館，首先映入眼簾的便是其壯觀的中央大廳，確實有點像進入了一個火車站，這座由昔日火車站改造而成的藝術殿堂，完美地保留了其工業時代的宏偉結構。前方有一座自由女神像！是法國雕塑家弗雷德裏克·奧古斯特·巴托爾迪 (Frédéric Auguste Bartholdi) 為巴黎創作的幾座小型複製品之一。它的存在就代表了法美兩國之間的友誼，也為奧賽博物館增添了一份意想不到的驚喜。
在博物館的主大廳內有許多雕塑，背景中的玻璃穹頂和裝飾性牆麵也是奧賽博物館的標誌性建築特征。在大廳的一端，懸掛著一個巨大的、極具象征意義的時鍾。這個古老的時鍾曾是奧賽火車站的標誌，如今依然精準地記錄著時間的流逝，仿佛在提醒著我們，藝術是永恒的，而時間則在不停地向前。
下麵這件作品是法國雕塑家皮埃爾-朱爾·卡維利耶 (Pierre-Jules Cavelier, 1814-1894) 創作的白色大理石雕塑，名為 《佩涅洛佩》(Pénélope)，完成於1849年。雕塑描繪的是荷馬史詩《奧德賽》中的人物佩涅洛佩，她是英雄奧德修斯的忠貞妻子。在奧德修斯遠征特洛伊並曆經二十年才得以返鄉期間，佩涅洛佩為了抵擋眾多追求者的糾纏，聲稱自己必須先為公公拉埃爾特斯織好壽衣才能改嫁。然而，她每晚都會將白天織好的部分拆掉，以此拖延時間，苦等丈夫歸來。雕塑捕捉了她因疲憊而沉睡的瞬間，手中可能還握著紡錘或紗線，象征著她日複一日的勞作與堅貞不渝的等待。
這件作品在當時獲得了極高的讚譽，在1849年的巴黎沙龍上獲得了一等獎章和榮譽獎章。評論家們稱讚其結合了自然主義、對古希臘羅馬藝術的借鑒以及溫和的浪漫主義情感，尤其是對衣褶的處理展現了高超的技藝。著名文學家、藝術評論家泰奧菲爾·戈蒂耶 (Théophile Gautier) 曾因此作稱卡維利耶為當代最偉大的雕塑家之一。
下麵這件雕塑是法國雕塑家奧古斯特·克萊辛格 (Auguste Clésinger, 1814–1883) 於1847年創作的大理石作品，名為 《被蛇咬傷的女人》(Femme piquée par un serpent)。
這件雕塑在1847年的巴黎沙龍上展出時，引起了巨大的轟動和爭議，成為當時藝術界和公眾熱議的焦點。爭議主要圍繞以下幾點：
驚人的寫實主義： 克萊辛格在這件作品中展現了極高的寫實技巧。據傳聞，雕塑的身體部分是直接從真人模特身上翻模製作的，這種做法在當時被認為是對藝術創作完整性的挑戰，有投機取巧之嫌。模特的身體細節，例如大腿上部略顯凹陷的肌膚（有時被指為脂肪團或橘皮組織），都如實地呈現出來，這與當時流行的新古典主義理想化的裸體表現大相徑庭。
為這件作品充當模特的是當時巴黎著名的交際花阿波羅妮·薩巴蒂耶 (Apollonie Sabatier)，她也是詩人夏爾·波德萊爾 (Charles Baudelaire) 的繆斯女神，被稱為“總統夫人”(La Présidente)。她的身份為作品增添了更多話題性。
主題的曖昧性： 盡管標題點明是“被蛇咬傷”，但雕塑中女子扭曲、伸展的姿態以及迷離的表情，使得許多評論家和觀眾認為其表現的並非痛苦，而是極致的歡愉或性高潮。蛇（纏繞在手腕處）的出現被一些人解讀為僅僅是為了給這種大膽的裸露和情色暗示提供一個名義上的借口。當時的《兩個世界評論》(Revue des deux Mondes) 尖銳地評論道：“標題和蛇不過是向評審團做的妥協！他們想愚弄誰！這個女人並非在承受痛苦，她是在享受！”
雕塑中的女性橫臥在飾有花朵的基座上，身體劇烈地扭動，展現出強烈的動態感和情緒張力。克萊辛格對人體解剖的精準把握和對大理石材質的細膩處理，使得人物的肌膚和肌肉線條充滿了感官上的吸引力。
盡管備受爭議，這件作品的成功也為克萊辛格帶來了巨大的聲名。它挑戰了當時學院派藝術的規範，並在一定程度上推動了現實主義在雕塑領域的發展。
這件《被蛇咬傷的女人》是19世紀法國雕塑中一件極具代表性和話題性的作品，它反映了當時社會在道德觀念、藝術表現和現實主義思潮之間的碰撞。
下麵這件雕塑也是法國藝術家克萊辛格 （Jean-Baptiste Auguste Clésinger，1814–1883）創作的作品，標題為《繆斯之死》（La Muse Mourante / The Dying Muse），克萊辛格 是19世紀著名的雕塑家，以浪漫主義風格的表現力而聞名。
這尊雕像描繪了一位坐姿悲傷、低頭沉思的女性繆斯，旁邊是一把斷弦的裏拉琴（象征詩歌或音樂靈感的斷絕），象征創作靈感或藝術生命的消逝。這件作品常被解釋為對失去靈感或對藝術生命結束的挽歌，非常具有象征意義。
這尊騎馬雕像是“Napoléon Ier”（拿破侖一世），雕塑家是 Antoine-Louis Barye（安托萬-路易·巴裏，1795–1875），創作時間大約 是1850 年。 拿破侖·波拿巴（Napoléon Bonaparte）騎在戰馬之上，身披帝王鬥篷，神情自信威嚴。
下麵這座《罪惡之後》（"Ève après le péché" / “Eve After the Fall”），雕塑家是Eugène Delaplanche（歐仁·德拉普朗什），創作時間是1869 年。描繪了夏娃在吃下禁果、墮落之後的悔恨與痛苦，神情哀傷、手臂遮麵，身體蜷縮於岩石之上，展現出一種脆弱而羞愧的姿態。這件作品完美體現了19世紀學院派雕塑對人體細節的精準刻畫與道德寓意的傳達。
下麵雕塑作品是讓-巴蒂斯特·卡爾波 (Jean-Baptiste Carpeaux) 的一件傑作，名為《四方世界》（法語為：Les Quatre Parties du monde soutenant la sphère céleste，意為“世界四大洲分擎天球”）。這座雕塑創作於1867年至1874年間，由奧斯曼男爵委托卡爾波為觀察家花園設計。作品的主題是代表當時已知的世界四大洲——歐洲、亞洲、非洲和美洲——的女性形象，她們共同托舉著一個刻有黃道十二宮標記的天球。這四位女性形象姿態各異，充滿動感，體現了卡爾波作品中典型的活力和對運動的表現。
這件展示的是雕塑《榮耀之舞》（La Danse de la Gloire），也是由法國雕塑家卡爾波創作，完成於1869年。它以動態的舞姿和充滿活力的女性形象為特色，象征著舞蹈和藝術的榮耀。這件作品是奧賽博物館的重要展品之一。這件作品在當時因其大膽的寫實主義和被認為有傷風化的裸露而引起了巨大的爭議，甚至有人向其投擲墨水瓶以示抗議。然而，它也被許多人譽為突破傳統學院派束縛的傑作，展現了卡爾波捕捉運動和情感的非凡才華。
下麵這照片中的兩座雕塑（前景和背景）分別是兩件非常著名的雕塑作品，前景（左側/近處）雕塑是《三個影子》（Les Trois Ombres）由藝術家奧古斯特·羅丹（Auguste Rodin）創作時間：約1880年，材質是青銅。這組雕塑原是羅丹《地獄之門》（La Porte de l’Enfer）的一部分，表現三位相同形體的裸體男性，他們低頭、手指向下，象征對命運的沉重指引。這組雕像本身常被單獨展示，也常與《沉思者》一起展出。
背景（右側/遠處）雕塑：《法蘭西共和國的勝利》（La Gloire de la République Française），由學院派藝術家Jean-Baptiste Hugues創作，時間約1903年，材質是石膏模型。這組雕塑原為巴黎市政廳上的裝飾，描繪象征“法蘭西共和國”的女性形象居於中央，手持火炬，象征自由與勝利，兩側是寓意法蘭西國家力量和自然資源的古典神祇或生物，如公牛（農業）、人神等。是第三共和國時期象征國家理念的代表作。
眺望聖心大教堂：藝術與信仰的對話
站在奧賽博物館的樓層，尤其是較高的展廳的窗邊，我們的目光可以越過塞納河，遙望北方的蒙馬特高地上潔白的聖心大教堂 (Basilique du Sacré-Cœur)。這座宏偉的羅馬拜占庭式建築，以其純白的立麵和標誌性的圓頂而聞名。眺望遠處的聖心大教堂。在印象派和後印象派畫家的作品中，巴黎的城市景觀曾成為他們描繪的對象。此刻，眼前的景象，或許也曾出現在某位大師的畫作之中。藝術與信仰，曆史與現代，在這一刻巧妙地交織在一起，構成了一幅富有詩意的畫麵。我邊拍了一張遠景的巴黎塞納河邊的盧浮宮和遠方高處的聖心大教堂。
印象派的曙光：捕捉流動的瞬間
我們來到了五樓的印象派的展廳。在這裏，時間仿佛被凝固，每一幅畫作都試圖捕捉光線和色彩在瞬間的變化。
莫奈 (Claude Monet)：
下麵《睡蓮》係列 (Les Nymphéas): 雖然奧賽博物館收藏的《睡蓮》數量不如橘園美術館，但這裏的幾幅依然令人陶醉。巨大的畫布上，色彩如同跳躍的音符，描繪出吉維尼花園池塘中變幻莫測的光影。你能感受到空氣的濕度，花瓣的輕柔，以及水麵反射出的天空和樹木，仿佛置身於那片寧靜的自然之中。莫奈晚年對光線和色彩的極致追求，在這裏展現得淋漓盡致。
這兩幅畫都是莫奈的畫作《草地上的午餐》（Le Déjeuner sur l'herbe）的殘存部分。左邊的畫是這幅畫的左翼部分。右邊的畫是這幅畫的中央部分。莫奈最初創作了一幅非常巨大的《草地上的午餐》，但由於種種原因，這幅畫後來被損壞並被畫家分割。現在我們隻能看到這兩部分以及一幅較小的習作。
這幅畫是莫奈的《埃特爾塔的巨浪》（La Grosse Mer à Étretat）。畫中描繪了諾曼底海岸埃特爾塔的壯麗海景，展現了海浪拍打懸崖的景象，以及岸邊觀看的人們。莫奈曾多次描繪埃特爾塔的景色，捕捉不同天氣和光線下的海景。這幅畫的構圖和筆觸都具有典型的印象派風格。
這幅畫是莫奈（Claude Monet）的《菊花》（Chrysanthèmes）。描繪了一瓶盛開的菊花，花朵顏色以白色和粉色為主，花瓶是紅色的，帶有圖案。背景是柔和的藍色和灰色，展現了菊花的蓬勃生機和色彩的豐富變化。這幅畫創作於 1878 年。
愛德華·馬奈（Édouard Manet）：
這幅畫是馬奈的《瓶中的牡丹》（Vase de pivoines sur piédouche）。畫中描繪了一瓶盛開的牡丹花，花朵顏色以粉色和紅色為主，搭配綠色的葉子。花瓶放置在一個小 pedestal 上，背景是深色的。這幅畫展現了馬奈在靜物畫方麵的才華，他運用 свободных мазков (free brushstrokes) 和鮮明的色彩來捕捉花朵的生動和美麗。
馬奈的《草地上的午餐》
下麵是兩幅畫，左邊的是馬奈（Édouard Manet）的《咖啡廳一角》（Un coin du café）。右邊的是埃德加·德加（Edgar Degas）的《苦艾酒》（L'Absinthe），有時也被稱為《在咖啡館》（Dans un café）。
雷諾阿 (Pierre-Auguste Renoir) ：
這兩幅畫作是法國印象派畫家皮埃爾·奧古斯特·雷諾阿 (Pierre-Auguste Renoir) 於1883年創作的一組著名對畫：左邊的是 《城市之舞》(Danse à la ville)。 右邊的是 《鄉村之舞》(Danse à la campagne)。
這兩幅畫是雷諾阿受藝術品經銷商保羅·杜蘭德-魯埃爾 (Paul Durand-Ruel) 委托創作的三幅關於舞蹈主題的畫作中的兩幅，另一幅是《布吉瓦爾之舞》(Dance at Bougival)，目前收藏於波士頓美術館。
《城市之舞》
- 描繪場景：這幅畫描繪了一對身著正裝的優雅舞者在豪華的室內環境中翩翩起舞。背景中可以看到柱子和大型盆栽植物，營造出一種正式而精致的氛圍。
- 模特：畫中的女模特是藝術家蘇珊·瓦拉東 (Suzanne Valadon)，她後來也成為了一名畫家。男模特是雷諾阿的朋友保羅·奧古斯特·洛特 (Paul Auguste Lhôte)。
- 風格特點：與《鄉村之舞》相比，這幅畫的色調更為冷靜，人物姿態更為內斂和莊重，體現了城市生活的優雅與克製。女舞者身著白色絲質或塔夫綢舞會禮服，戴著長手套，展現了當時巴黎上流社會的時尚。
《鄉村之舞》
- 描繪場景：這幅畫則展現了一對情侶在戶外歡樂起舞的場景。背景中可以看到一張淩亂的桌子和一個掉落在前景的帽子，暗示著鄉村聚會的輕鬆與隨意。
- 模特：畫中的女模特是艾琳·查裏戈特 (Aline Charigot)，她後來成為了雷諾阿的妻子。男模特同樣是保羅·奧古斯特·洛特。
- 風格特點：這幅畫的色彩更為溫暖活潑，人物表情愉悅，尤其是女舞者帶著微笑直視觀眾，充滿了生氣和歡樂。作品捕捉了鄉村舞蹈的奔放與熱情。
這兩幅畫作以幾乎真人大小的尺寸繪製，是雷諾阿在19世紀80年代初期繪畫風格轉變時期的重要作品。他開始從印象派的技法中抽離，更加注重畫麵的精確構圖和人物的清晰輪廓，這一定程度上受到了他在意大利旅行時所見的拉斐爾作品的影響。這兩幅畫作為一對，通過對比城市與鄉村、正式與非正式、內斂與奔放的舞蹈場景，展現了不同社會環境下的生活樂趣。它們都是奧賽博物館的重要藏品。
德加 (Edgar Degas) 的《舞蹈課》(La Classe de danse): 德加對芭蕾舞者的迷戀在這幅畫中展露無遺。他並非僅僅描繪舞台上的光鮮，更關注後台的日常和舞者們訓練的艱辛。畫麵構圖大膽，光線運用巧妙，營造出一種窺視般的視角，讓觀者仿佛置身於排練廳的一角，觀察著舞者們優雅的姿態和專注的神情。
後印象派的探索：個性的色彩與形式
告別了印象派的朦朧詩意，我們來到了後印象派的展廳。這裏的藝術家們在繼承印象派色彩革命的基礎上，更加強調個性和情感的表達，探索了更加主觀的藝術語言。
梵高 (Vincent van Gogh)
《自畫像》(Autoportrait): 奧賽博物館收藏了梵高幾幅不同時期的自畫像，每一幅都像是一麵鏡子，映照出他內心世界的波瀾。自畫像傳遞出他飽受折磨卻又充滿激情的靈魂。你能感受到他眼神中的憂鬱和渴望，以及他對藝術的執著。梵高的一生，生的孤獨，活的孤獨，離去也孤獨。不難理解他的自畫像上孤獨的痕跡。
這幅畫是梵高的《阿尼埃爾的西雷納餐廳》（Le Restaurant de la Sirène à Asnières）。
這幅畫是梵高的《兩個小孩》（Deux fillettes）。畫中描繪了兩個穿著藍色衣服和白色頭巾的小女孩，她們手持著白色的花朵，畫麵有一種樸實而略帶憂鬱的氛圍，這幅畫創作於 1887 年。
這幅畫是梵高的《瓦茲河畔歐韋的教堂》（L'église d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet），通常簡稱為《歐韋教堂》。畫中描繪了位於法國瓦茲河畔歐韋的一座哥特式教堂，畫麵視角是從教堂的後部（chevet）望去。梵高運用了他充滿表現力的筆觸和強烈的色彩，特別是深藍色和黃色，來描繪教堂的莊嚴感和周圍充滿生機的自然環境。前景中有一條分岔的小路，一個小黑影正走在其中，更增添了畫麵的意境。這幅畫創作於 1890 年，是梵高去世前不久的作品，被認為是其後期非常重要的代表作之一。
這幅畫是梵高的《科爾德維爾的茅草屋》（Chaumières de Cordeville）。畫中描繪了位於瓦茲河畔歐韋附近的科爾德維爾村莊的幾座茅草屋。梵高運用了他標誌性的扭曲的線條和濃烈的色彩，描繪了房屋、樹木和天空，賦予了畫麵一種充滿動感和強烈情感的氛圍。這幅畫也創作於 1890 年，是梵高去世前不久的作品。
這幅畫是梵高（Vincent van Gogh）的《加歇小姐在花園裏》（Mademoiselle Gachet dans son jardin à Auvers-sur-Oise）。畫中描繪了保羅·加歇醫生的女兒瑪格麗特·加歇（Marguerite Gachet）在位於瓦茲河畔歐韋的花園裏的場景。描繪了花園中盛開的鮮花、綠色的植物以及在花園中散步的瑪格麗特。這幅畫展現了梵高在生命最後階段對自然和人物的描繪。
這幅畫是梵高的《加歇醫生的花園》（Le jardin du docteur Paul Gachet）。畫中描繪了保羅·加歇醫生在瓦茲河畔歐韋的住所花園。描繪了花園中茂盛的植物、樹木和遠處的房屋。畫麵呈現出一種略帶憂鬱而又充滿生命力的氛圍，反映了梵高在生命最後階段的情感狀態。這幅畫目前也收藏在巴黎的奧賽博物館。
這幅畫是梵高（Vincent van Gogh）的《意大利女子》（L'Italienne）。描繪了一位坐在藍色椅子上的年輕女子，她戴著紅色的頭巾，穿著色彩鮮豔的衣服。梵高運用了他強烈的色彩對比，尤其是在背景的黃色和女子的紅色服飾之間，來塑造人物形象。這幅畫創作於 1887 年。
這幅畫是梵高的《阿爾勒的臥室》（La Chambre à Arles）。這實際上是這個主題的第三個版本，創作於 1889 年末，目前收藏在巴黎的奧賽博物館。梵高一生中創作了三幅描繪他在阿爾勒住所臥室的畫作。第一幅和第二幅分別收藏在阿姆斯特丹的梵高博物館和芝加哥藝術博物館。這幅奧賽博物館的版本描繪了房間內簡單的家具，包括床、椅子、桌子和牆上懸掛的畫作。梵高營造出一種既親切又略帶不安的氛圍。藍色和黃色是畫麵中主要的色彩。
這幅畫是梵高（Vincent van Gogh）的《午睡》（La Sieste）。創作於 1890 年，是梵高在聖雷米精神病院期間臨摹讓-弗朗索瓦·米勒（Jean-François Millet）的同名作品。畫中描繪了在收割後的田野裏，一對農民夫婦在烈日下休息的場景。梵高用他獨特的色彩和筆觸，賦予了米勒的田園主題一種更加強烈和充滿情感的表現力。背景中的幹草堆和遠處的景象也以梵高的典型風格呈現。
這幅畫是梵高的《隆河上的星夜》（La Nuit étoilée sur le Rhône）。描繪了法國阿爾勒的隆河在星空下的夜景。深藍色的夜空點綴著明亮的黃色星辰和月亮，星光倒映在流動的河麵上，與岸邊的燈光相互輝映。梵高捕捉了夜空的神秘和河流的寧靜，營造出一種富有詩意的氛圍。這幅畫創作於 1888 年，目前也收藏在巴黎的奧賽博物館。
這幅畫是梵高的《吉普賽人的篷車，阿爾勒附近》（Les Roulottes, campement de bohémiens aux environs d'Arles），有時也被稱為《吉普賽人的營地》（Caravanes, campement de Bohémiens）或《大篷車，吉普賽營地，阿爾勒郊外》（Caravans, Gypsy Camp near Arles）。描繪了停放在阿爾勒郊外的一群吉普賽人的篷車和人物，描繪了篷車、人物、馬匹以及周圍的自然環境。這幅畫展現了他對不同社群和生活方式的興趣。這幅畫創作於 1888 年，目前收藏在巴黎的奧賽博物館。
這幅畫是梵高的《蒙馬特爾的咖啡館露台》（Terrasse de café le soir, place du Forum, Arles）。
這幅畫是梵高（Vincent van Gogh）的《歐仁·博赫肖像》（Eugène Boch）。畫的是梵高的朋友、比利時畫家歐仁·博赫。他將博赫描繪在一個充滿星光的藍色夜空下，這象征了他對博赫的友誼和對詩意意境的追求。博赫的麵容顯得沉靜而略帶憂鬱。這幅畫創作於 1888 年。
這幅畫是梵高（Vincent van Gogh）的《加歇醫生的肖像》（Portrait du docteur Gachet）。這幅畫描繪了保羅·加歇醫生，他是梵高在生命最後階段接受治療和照顧的醫生。畫中加歇醫生麵帶憂鬱，手托著頭部，桌上放著一本通俗小說和毛地黃——一種治療心髒病的藥物，也暗示了醫生的職業。梵高運用了憂鬱的藍色和強烈的紅色，來傳達加歇醫生的內心狀態，同時也展現了梵高自身的情感。梵高創作了兩幅加歇醫生的肖像，這兩幅畫在構圖和色彩上略有不同。這幅是收藏在巴黎奧賽博物館的版本。另一幅版本曾於 1990 年在拍賣會上以高價成交。
這幅畫是梵高（Vincent van Gogh）的《日本花瓶中的玫瑰和銀蓮花》（Roses et anémones dans un vase japonais）。描繪了一個綠色的日本風格花瓶，裏麵插滿了盛開的玫瑰和銀蓮花，花朵顏色豐富，包括紅色、粉色、黃色和白色。花瓶放置在一個紅色的桌麵上，背景是淺米色的牆壁。梵高賦予了花朵一種蓬勃的生命力。這幅畫創作於 1890 年，也收藏在巴黎的奧賽博物館。
高更 (Paul Gauguin) 的《塔希提婦女》(Femmes de Tahiti): 高更的畫作充滿了異域情調和神秘色彩。這幅描繪塔希提婦女的作品，色彩濃烈而富有裝飾性，人物造型簡潔而富有力量。他試圖擺脫西方文明的束縛，在原始的自然和文化中尋找藝術的靈感。畫麵散發著一種寧靜而又充滿野性的氣息。
保羅·塞尚 (Paul Cézanne) ：塞尚被譽為“現代藝術之父”，他對形式和結構的探索對後來的藝術發展產生了深遠的影響。
這幅畫是塞尚的《瓦茲河畔歐韋的加歇醫生之屋》（La Maison du docteur Gachet à Auvers-sur-Oise）。加歇醫生太有名了，引來兩位畫家為他房子作畫。畫中描繪了位於瓦茲河畔歐韋的保羅·加歇醫生的住所。塞尚運用了他獨特的筆觸和對色彩的幾何化處理，描繪了房屋、樹木和天空，呈現出一種穩定而富有結構感的畫麵。這幅畫創作於 1873 年，也收藏在巴黎的奧賽博物館。
這幅畫是塞尚（Paul Cézanne）的《小代爾夫特花瓶中的花束》（Bouquet au petit Delft）。畫了一個小型的代爾夫特藍陶花瓶，裏麵插著各種色彩鮮豔的花朵，包括紅色、白色和藍色的花。花瓶放置在一個桌麵上，背景是深色的帷幔。塞尚呈現出花朵和花瓶的形態和質感，以及他對靜物畫的獨特理解。這幅畫創作於 1873-1874 年，也收藏在巴黎的奧賽博物館。
新藝術運動的優雅：曲線與自然的融合
除了繪畫，奧賽博物館還收藏了許多精美的新藝術運動時期的雕塑、家具和裝飾藝術品。這些作品以流暢的曲線、自然的元素和精湛的工藝為特點，展現了那個時代對唯美主義的追求。
這幅畫是泰奧多爾·夏塞裏奧（Théodore Chassériau）的《溫水浴室》（Le Tepidarium）。描繪了一群在溫水浴室（古羅馬浴場中的一個溫室）裏的婦女。一些婦女站著脫衣服，而另一些則坐著交談。氣氛顯得感性和慵懶。建築風格暗示了羅馬的背景，有拱門和裝飾元素。夏塞裏奧是一位法國浪漫主義畫家，他的作品融入了東方主義和古典主義的主題。這幅畫展示了他對描繪女性形體以及營造異國情調和令人回味的氛圍的興趣。
這幅畫是讓-保羅·洛朗（Jean-Paul Laurens）的《提比略的流放》（Les Exilés de Tibère）。描繪了一群在船上的人物，他們似乎正在被流放。一個中央披著鬥篷的人物指向遠方，可能指示著他們的目的地。人物們表現出各種各樣的情緒，從絕望到無奈。背景是海岸景觀，遠處有山脈，還有一艘船正在駛離。讓-保羅·洛朗是 19 世紀法國畫家，以其曆史和戲劇性場景而聞名，這些場景經常描繪不公正或苦難的時刻。這幅畫符合這一主題，喚起了一種被迫流離失所和失落的感覺。
這幅畫是讓-弗朗索瓦·米勒（Jean-François Millet）的《拾穗者》（Les Glaneuses）。描繪了三位農婦在收割後撿拾田地裏遺落的麥穗。她們正在撿起收割者遺留的散落的麥穗。在背景中，可以看到更大的堆放的穀物和其他人物。米勒以其現實主義的鄉村生活和工人階級描繪而聞名。這幅畫是他最著名的作品之一，它深刻地描繪了這些婦女辛勤的勞動和尊嚴，她們收集著收割後剩餘的穀物。
這幅畫看是威廉-阿道夫·布格羅（William-Adolphe Bouguereau）的《但丁和維吉爾在地獄》 (Dante et Virgile aux enfers)。描繪了但丁·阿利吉耶裏《地獄篇》中的一個場景，但丁和他的向導維吉爾目睹兩個受詛咒的靈魂之間殘酷的爭鬥。其中一個人物正咬著另一個人物的脖子。在背景中，可以看到地獄烈火深處其他受折磨的人物和惡魔般的生物。布格羅以其學院派風格以及經常描繪神話或寓言題材的畫作而聞名，他在這幅作品中捕捉到了但丁的幻象中戲劇性和恐怖的本質。
這幅畫是古斯塔夫·庫爾貝（Gustave Courbet）的《畫家的畫室》（L'Atelier du peintre）。是一幅巨大的寓言畫，描繪了庫爾貝在他的畫室中，周圍環繞著代表他生活和藝術哲學不同方麵的各種人物。左邊的人物代表“其他人”，即參與日常生活的人們。右邊是他的“朋友”，包括知識分子、作家和藝術收藏家。庫爾貝本人則位於中心，正在畫一幅風景畫，旁邊站著一位裸體模特。這幅畫充滿了象征意義，反映了庫爾貝的現實主義藝術理想以及他對藝術家在社會中角色的看法。
漫步在奧賽博物館的各個展廳，經曆了一場充實的藝術之旅。從印象派的光影變幻到後印象派的個性表達，再到新藝術運動的優雅精致，每一件藝術品都承載著藝術家獨特的視野和情感。
藝術的魅力在於它的永恒，它能夠跨越時空，觸動一代又一代人們內心最深處的情感。想象著漫步在昔日的火車站，如今卻沉浸在一片印象派和後印象派的藝術光輝之中，這本身就是一種奇妙的體驗，奧賽博物館值得一遊。
