地角天邊
江郎才盡,不足為訓
| 錄音的藝術（一）挑戰鋼琴錄音 | 發表日期：2009-04-01 |
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錄音是一門嚴謹的藝術，是一門關係到各種學科的綜合科學。很多人都問，錄音師都需要掌握什麽條件。很多人的答案也許是知道如何選擇和擺放麥克風。但是，我們需要知道的是，這隻是錄音師需要知道內容的很小一部分。一個合格的錄音師，需要知道錄音、樂器聲學、環境聲學、樂器演奏、編曲乃至音頻原理在內的硬件知識。對於錄音師，有如此多的知識需要掌握，從這方麵講，成為一個好的錄音師、遠比成為一個混音師和母帶師要難得。本篇文章的主要內容，在於通過對鋼琴錄音中的難點問題逐一進行分析並展開深入討論，使大家認識到錄音藝術的嚴謹性和困難程度，並通過總結提煉，使得大家能夠學到錄音藝術的精華部分。這些疑難點和精華部分，是一個錄音師在每天的錄音工作中經常遇到的，這裏展開講，主要還是希望能夠拋磚引玉，共同進步。而我們今天的第一個話題，就是號稱錄音界難度頂峰的鋼琴錄音。鋼琴號稱是最難錄製的聲學樂器，無數的錄音師、哪怕是大師級的錄音師也會為此頭疼不已，而下麵就讓我們了解一下，鋼琴錄音究竟是怎樣一個過程。 什麽樣的鋼琴聲音才是正確的、什麽是完美的鋼琴錄音？為什麽鋼琴難以錄製？ 首先我們提出的這個問題，大家或多或少會有所了解。這個問題的答案很多，但是要說全說準確，就不是那麽容易了。首先我們從鋼琴的外觀入手。常用的音樂會演奏用大鋼琴，是樂器中的巨無霸，這些巨無霸一般身長9尺，也就是2.75米-3米之間的這樣一個長度。如此巨大的體形，就衍生出來兩個問題。其一是由於身材龐大，發出的聲音將是巨大的，有記錄顯示聲壓級能夠達到130dBSPL。因此如果錄音距離控製不好，電平很容易過載。聯係到錄音實踐中，就引發了錄音距離和是否添加壓縮效果器的問題。其二，巨大的體形將導致聲相的問題，近距離麥克風拾音和遠距離麥克風拾音之間聲相上的差距將是非常巨大的。除了巨大的體形造成如上所述的多種問題外，其次鋼琴的音域也是非常寬廣的，鋼琴是一種近乎全音域的樂器（全音樂音域共有97個健，而一般鋼琴都有88鍵，個別達到97健），因此，從音域範圍上說，鋼琴具有可以比擬整個交響樂隊的音域。基礎音頻率從20Hz到8000Hz，並且由於鋼琴共鳴箱很大，泛音非常豐富，因此高頻的細節也很突出。如此寬廣的頻率範圍，即使對於高檔次的錄音設備，也將是很大的考驗（錄音設備的好壞，主要在於頻響是否寬廣，動態是否足夠大）。而鋼琴一下子就全占了，真是不客氣！並且要求比其他樂器還要高，因此錄製鋼琴的難度最大就可以理解了。但是大家不要害怕，下麵的實戰中我們就準備逐步了解如何解決這些問題。而錄製好鋼琴，首先我們需要知道的，就是什麽樣的鋼琴聲音才是正確的。有了正確的標準，我們才能開始工作。 什麽樣的鋼琴聲音才是正確的？木頭味 Vs 金屬感 鋼琴的聲音，在聽感上總結起來有兩種味道。一種是木頭味，也就是比較柔軟、能夠聽出木質箱體共鳴的聲音。而另外一種則是金屬味，也就是錘子敲擊鋼絲，鋼弦共振發出的聲音。這兩種聲音包含了鋼琴聲音的主要特點。但是這兩者應該占據的比例，卻一直是錄音領域的斯芬克斯之謎，也就是完美鋼琴聲音的命門所在。就聽眾而言，有人喜歡木頭味多一些，有人喜歡金屬味多一些，很是眾口難調。而曆史上真正偉大的鋼琴錄音，都是在這兩者中取得了平衡感而獲得了成功。下麵，我們就通過一些實際錄音來探討這兩種聲音的比例問題，一般鋼琴錄音都使用名牌鋼琴，我們首先就一起來看看這些品牌的鋼琴聲音有什麽不同，爭取能夠從中獲得解決問題的鑰匙。 什麽樣的鋼琴聲音才是正確的？談談不同品牌鋼琴的音色差別 鋼琴自從1700年被發明開始，經過19世紀的大發展，到了20世紀終於達到一種趨於完美的境界。目前世界上公認的著名鋼琴品牌主要有以下幾種，斯坦威，貝森多夫、法吉奧裏和雅馬哈。 斯坦威（Steinway） 斯坦威是很著名的鋼琴品牌，來自德國，一直被公認為最著名的鋼琴品牌。90%的音樂會用的大三角鋼琴都是出自斯坦威之手。斯坦威對於鋼琴音色完美程度的追求可以說是近乎變態的，每一台斯坦威在出場之前都要經過苛刻的檢查，以確保每一架斯坦威鋼琴都有一種獨一無二的聲音。從音色上說，斯坦威的聲音很難用語言來表達，我個人的表述是一種雍容華貴，極具帝王氣質的聲音。每當人們第一次聽到斯坦威的聲音，無不為其高貴的氣質所折服。斯坦威的鋼琴低音渾厚無比，中音溫暖而寬厚，高音明亮而華麗。但是就中音來說，斯坦威是最出眾的，具有很強的感染力和表現力，不過筆者認為最具殺傷力的還是斯坦威那種天生的帝王氣質。 對於目前斯坦威鋼琴的錄音，為了方便大家認知，筆者這裏主要使用大家熟悉的各種斯坦威鋼琴采樣音源的錄音來分析。目前采樣的斯坦威太多了，但是真正被大家公認為斯坦威聲音典範的，則比例很小。The Grand2和Ivory中的斯坦威，雖然音質很出眾，但是木頭味很明顯太多了，導致斯坦威聲音中那種華麗的高音，那種天生的帝王氣質削弱了不少。同樣的結果還包括PMI的Steinway D等著名的音源。真正斯坦威聲音做的比較好的，有EW的Steinway B（雖然不太真實，但是斯坦威的氣質出來了）NI的Steinway（很棒的斯坦威，恐怕是目前最真實的），PMI的OLD LADY（真實和好聽結合的典範）以及Galaxy 5.1中的斯坦威（高音氣質很好，就是總體不是太真實）。下麵的例子就是一個OLD LADY的聲音，大家仔細聽聽，細細體會一下感覺。 貝森多夫（Bosendorfer） 和斯坦威一樣，貝森多夫出身也很棒——來自於另一個音樂之鄉——奧地利。貝森多夫采用的是和斯坦威不同的標準，因此在音色側重上也有所不同。貝森多夫的聲音含蓄，但是極具底蘊，可以很明顯地聽出是德奧係的聲音。貝森多夫最有特點的地方在於它的低音區域，其在低音區音色清晰而圓潤，但是卻不失渾厚，因此非常難能可貴。借助這個特點，貝森多夫可以營造出一種奇特的音色氛圍。當然不少大鋼琴家也對貝森多夫青睞有嘉，稱其為“意境深沉，含蓄不發”。 貝森多夫是相對金屬味比較多的那種鋼琴。典型的貝森多夫聲音，鋼勁有力，清晰而通透，講究一種穿透力。相對於斯坦威，似乎貝森多夫的聲音更容易表現出來，目前市麵上的PMI的皇帝，NI的貝森多夫和Ivory的貝森多夫，都是貝森多夫中的佼佼者。下麵的例子，就是Ivory的貝森多夫。 法吉奧裏（Fazioli） 法吉奧裏是最近20年鋼琴界的新星，產自意大利，所以與生俱來具有地中海浪漫的氣質。而且上升勢頭極快，很快將原來的鋼琴三巨頭之一的雅馬哈趕下王座。法吉奧裏得到了不少鋼琴大師的鼎力推薦，被譽為是“數碼錄音的最佳用琴”。其音色最突出的特點在於其高音相當性感撩人，在近距離內具有很強殺傷力和穿透力，少男少女禁不住這種聲音的誘惑，很難保持春心不動。如果李斯特能夠用上這架琴，恐怕他對全歐洲女人們的殺傷力又會多出幾個數量級，緋聞也會更多了吧。對於現代的輕音樂，爵士和New Age，法吉奧裏能夠很好的予以表現。也難怪其上升勢頭極快，大有成為新一代霸主的意思。下麵就是Ivory中法吉奧裏的聲音，大家可以體會體會。 雅馬哈（YAMAHA） 雅馬哈製造鋼琴也有百年的曆史了，雅馬哈的鋼琴產自日本，其製造技術比歐美都有一定的差距，但是其主要是得益於以象牙為原料製造著名的C7演奏用大鋼琴，並借此成名而與歐美品牌分庭抗禮。雅馬哈鋼琴的音色特點在於高音具有迷人色彩，並且中低音清晰有力。其對於流行樂的表現力相當不錯。其對歐美品牌的主要競爭力在於鋼琴價格相對便宜，並且方便購買——歐美品牌的頂級鋼琴都是手工打造的，需要耗費大量的時間，顧客需要漫長的等待……下麵就是YAMAHA C7的聲音。 不同品牌的鋼琴聲音都不一樣，那麽，我們究竟應該使用什麽標準來判斷鋼琴的聲音的好壞，在錄音中，我們應該錄出什麽樣的鋼琴音才能被廣大聽眾所稱讚呢？這個問題的答案很簡單，隻有一個“純”字。但是這個字包羅萬象，有很多含義： 1．首先從低、中、高音來看，聲音都需要純淨，不能有太多的雜質，不能渾濁。 2．就高音來說，應該是純潔悅耳的，而不能過於尖銳。 3．就中音來說，應該溫暖並且純淨，中音的範例，還要看斯坦威的聲音。 4．就低音來說，應該保持足夠的渾厚的同時，聽起來仍然感覺很純，在這一方麵，斯坦威和貝森多夫具有很大的優勢，表現非常突出。 5．就比例來說，木頭味兒多了，純度會受到影響；金屬感強了，聲音會變得刺耳，顯得不那麽純。 因此，這裏我們對於錄音領域的斯芬克斯之謎有了一個比較詳細的答案。首先我們要看是什麽牌子的鋼琴，根據它們獨特的聲音品質來確定木頭味和金屬味的比例，然後我們需要做的，就是那個“純”字了。 不同類型作品對於鋼琴的要求 鋼琴的低音渾厚，適合營造一種宏偉的大場麵，而高音純淨悅耳，適合表現某種心情。因此這就決定了不同音樂中，對於鋼琴聲音要求的不一樣。古典音樂，要求表現鋼琴的全麵，因此需要各個頻段的真實還原。而流行音樂大多是展現小場麵，因此主要使用鋼琴的高音，要求高音成分的比重大一些。而Jazz等音樂，則對鋼琴的色彩有一定的要求。因此對於鋼琴的聲音，要隨著音樂類型而變化，但不能拘泥於類型，還要根據作品具體的需要，決定鋼琴低中高音的比例。 鋼琴的調音決定了錄音藝術的高度 鋼琴的樂器聲學和錄音 說了這麽多，我們隻探討了一個基本的問題——我們到底需要一個什麽樣的鋼琴聲音。這個問題雖然與錄音無關，但是卻決定錄音的基本方向是否正確，有了正確的基本方向，我們才能大膽邁開步，進入下一個問題——什麽因素最能決定鋼琴錄音的藝術高度。也許有人說了，錄音設備的好壞，這當然有一定的道理，但不是最正確的答案。有人又會說了，麥克風的選擇和擺位能決定你的錄音質量，這句話是對的，但是它決定不了你的錄音能達到的藝術高度。而最終的正確答案，則是鋼琴的調音。一台沒調好音的鋼琴，無論其他條件多麽出色，達到的藝術高度仍然有限。而一台調好音的鋼琴，則有無限的潛力等待你去發掘。因此，這裏就有了一個原則，每當進行鋼琴錄音前，要花大力氣調好音，這方麵絕對不能有任何的妥協。因此鋼琴錄音的第一定律就是：“錄音之前對鋼琴調音的好壞，決定了你的錄音所能達到的藝術成就最高點。” 實 戰 錄 音 真實動態 Vs 錄音動態，討論鋼琴錄音中的動態處理 真實鋼琴的動態範圍在樂器中算是很大的，並且隨著聲音頻率的增高而增加。比如低音的最強音和最弱音的音量差距可以達到29dB，高音則可以達到54dB。但是在錄音中聽起來，這樣動態下的最弱音就會顯得音量太小，因此錄音中就有了一個真實動態和錄音動態的爭議問題。目前公認的比較理想的錄音動態選擇在真實動態的40%左右，而實踐也證明這樣的動態聽起來更加悅耳一些。如果你決定采用錄音動態，就有兩種實現方案供你選擇——前期添加壓縮器或者後期製作的時候再通過壓縮來處理。 對於這個問題，不同的流派有不同的意見，有的流派認為前期添加壓縮效果會更好，有的流派則堅持鋼琴錄音應該不使用任何效果器，一切處理應該等待錄音完畢之後再決定如何處理。筆者是屬於後麵的流派，所以對於前期如何添加壓縮效果器，自然是深惡痛絕，也更談不起什麽體會了。 鋼琴複雜的聲學結構決定了其聲音的組成成分很複雜，包括擁有多種機械噪音，並且聲音具有頻率指向性。從機械噪音來說，鋼琴具有錘子擊弦的噪音、錘子離弦的噪音以及踏板結構產生的機械噪音——當你踩下踏板的時候，會聽到踏板機構運動中產生的噪音。比如我們有時在鋼琴錄音中會聽到一種類似海潮的聲音，實際上就是踏板的噪音，而錘子產生的噪音，則是複合在鋼琴樂音中，可以增加錄音的真實度。隻要音量不是大得太過分，這些機械噪音可以增加錄音的現場感和真實感。而對於錄音師來說，在進行近距離錄音中，由於麥克風距離鋼琴很近，因此就需要隨時監控這些機械噪音的大小。需要注意的是，機械噪音集中在200Hz-500Hz頻段，並且無數人的無數經驗證明，試圖通過調節EQ來消滅機械噪音的做法是完全沒有效果的。同時由於鋼琴是個很大的發聲體，因此就有了頻率指向性的問題，從最基本的來說，鋼琴的低音弦和高音弦有個距離，因此到達麥克風的時間不同，錄音師需要注意低音和高音的時間差或者是因此造成的相位差。而最關鍵的影響頻率響應的因素，則是由音樂會大鋼琴的琴蓋的開啟角度決定的。如果你細心觀察，你會發現一般大鋼琴的琴蓋都會朝向觀眾開啟一個角度。角度越大，則向外反射的高頻越多，角度小了，則高頻成分相對減少，聲音就會變得發悶。同時，高頻還具有離軸相應的效應——也就是以琴蓋和琴體的夾角平分線為中心軸，隨著偏離中心軸的角度的增大，高音衰減越快。機械噪音和頻率指向性雖然看起來影響不大，但是在實踐過程中這些因素都會對近距離和遠距離拾音造成較大的影響，因此不能忽視。而在錄音前的調試階段，應該對這些因素一一加以考慮，進行排除。 1．鋼琴的共鳴與錄音 鋼琴的琴弦共鳴是指當有些鍵還沒有被釋放的時候，所在琴弦被新的按鍵激發，產生共鳴的現象。這種共鳴隨著沒有釋放鍵數量的增加而音量增大，並且隨著新按鍵的音高產生頻率上的變化。共鳴能夠為鋼琴的聲音添加變化及其色彩上的渲染，因此捕捉到這種細微的聲音有時候就很必要。捕捉共鳴的聲音，需要距離琴體一定的距離——太近共鳴會顯得太大，太遠則顯得不明顯。一般放置一個麥克風距琴體30-40厘米的距離較為合適。 2．鋼琴踏板的使用 鋼琴的踏板共有三種，延音踏板（SustainPedal），弱音踏板（una corda）和延長踏板（sostenuto pedal）。從左到右依次為弱音踏板、延長踏板、延音踏板 延音踏板踩下後，所有製音器離開琴弦，在聲音延長的同時，所有琴弦都會產生共鳴，高頻成分會大幅增加。弱音踏板踩下後，整個擊弦機構會向右偏移一小段距離，這樣錘子原先敲擊3根弦，踩下弱音踏板後變成敲擊2根弦。在音量有所減弱的同時，高頻響應也發生了變化。 延長踏板踩下後，隻延長當前未釋放鍵的聲音，而對頻率成分沒有影響。 綜合鋼琴的踏板運用，一個錄音師應該懂得如何運用踏板改變鋼琴的音響效果。當發現鋼琴的聲音比較幹，高頻上不出彩的時候。可以試圖和鋼琴演奏者進行溝通，爭取增加踏板的使用，而使得聲音達到理想的狀態。 3．Duplex結構
Duplex為斯坦威首創的技術，其能夠使鋼琴的高音弦對於製音器的響應有所改變，以前當手指離開按鍵的時候，製音器將完全抑製住琴弦的震動。而加入了Duplex結構，鋼琴的高音部分（F6以上）將不受製音器的影響，一直處於自然振動和共鳴的階段，從而使得高音成分有所增強。而在錄音實踐中，Duplex部分的效果拾音是個大難題，當距離太近的時候，噪音和共鳴的聲音比較大，容易產生喧賓奪主的效果。所以在近距離麥克風拾音拾取高音部分的時候，很少將麥克風放置在最高一個8度的琴弦上方，就是這個原因；但是如果距離Duplex結構過遠，則Duplex的效果又會無從體現。因此建議在錄音實踐中，以1厘米為單位調節拾音麥克風與琴弦的距離，同時輔以仔細的監聽，以便將Duplex效果以一種合理的、令人接受的比例融合在音樂中。而這個度，需要掌握在能夠聽出差異和很難聽出差異之間——也就是若有若無的情況最好。 鋼琴的單聲道錄音 也許有人說了，現在都立體聲時代了，尤其鋼琴這樣聲相定位比較明顯，又有一定寬度的聲源，不用立體聲錄音這不是瞎搞嗎？沒見過這麽不專業的錄音師！不能否認今天的鋼琴錄音大部分是立體聲錄音，但是單聲道錄音，在特定的情況下也仍然有用，並且從音質上來講，好的單聲道鋼琴，從聲音的寬度和聲場定位來說，也能夠做到不遜於立體聲錄音，具體問題具體分析，鋼琴能夠進行單聲道錄音的原因主要有以下3點： 1．鋼琴聲音的主要頻率集中在中低頻，也就是3000Hz以內。在這個頻段內，聲音的指向性不是太強，單聲道錄音的聲音也會聽起來顯得比較寬，這樣寬度問題可以得到一定程度的改善。 2．如果是從聽眾的角度（遠距離）錄音，當距離遠到一定的程度，鋼琴會趨向於一個點聲源。這個時候使用單聲道錄音，單聲道錄音聲相定位的問題，也可以得到較好的規避。 3．單聲道錄音使用多麥克風拾音，比較容易得到更加厚實的聲音。並且單聲道可以很方便進行多種後期處理，人工作出很多效果。 事實也證明，半個世紀以前的單聲道鋼琴錄音，並不缺乏聲音寬度以及定位準確，並且在聲音上還獨具特色。因此，對於單聲道錄音的問題，要具體情況具體分析，不能盲目下結論。隻要解決好相位幹擾的主要問題，依然可以得到很好的聲音。在後麵的錄音方案實踐中，我們也將涉及到鋼琴的單聲道錄音。 麥克風的選用 鋼琴錄音對於麥克風的選擇，有著很嚴格的要求。一般價格過於便宜的麥克風，都無法勝任鋼琴錄音。選擇錄製鋼琴的麥克風，需要遵循3原則： 1．頻率響應曲線要平直，優先級 3 2．頻率響應範圍要寬，優先級 2 3．瞬態響應要快 優先級 1 後麵的優先級反映了重要性的次序。錄製鋼琴的麥克風一個首要條件就是瞬態響應必須要快，說白了就是反應要快，反應慢了就會導致漏掉細節或者是聲音糊掉，在這點上是絕對不能妥協的。鋼琴的頻率響應非常寬廣，這一點在前麵已經說過多次。鋼琴的重要頻率點主要有3點，第一是在200Hz附近正負150Hz，第二是1000Hz附近正負200Hz，第三是5500Hz附近的正負700Hz。在這三點上務必要保證頻率的準確性。如果你發現麥克風在這三點上的頻響有過多的衰減或者增益，則必須考慮更換麥克風。因此在這三點上的不準確，將極大影響錄製聲音的準確性。 對於麥克風的指向性問題，一般主麥克風通常選用全指向，輔助麥克風則根據情況選擇指向性。立體聲錄音的話，需要兩隻話筒都為全指向，但是需要注意的是，這方麵並不一定要拘泥了定勢。在後麵的實戰案例中，我們也會有詳細的說明。 立式鋼琴的錄音 相對於音樂會演奏大鋼琴，立式鋼琴在錄音中的應用並不是太廣泛，並且其結構相對簡單一些，但是出乎意料的是，其聲音傳遞特性卻要比音樂會大鋼琴複雜很多，想要錄出好聲音也更難一些，基本屬於公認的“雞肋”，所以錄音方案和實際錄音數量有限，並且如何才能錄出好聲音，似乎沒有人願意仔細研究。下麵我們就來看這樣一個方案。 該方案中，兩支完全相同的麥克風距離立式鋼琴的背板大約16厘米到半米的距離，麥克風垂直於背板。立式鋼琴聲音的共鳴音比較大，所以過近將導致聲音渾濁。但是過遠後高音衰減很多，仍然會顯得渾濁，因此需要把握這個度。一般我本人喜歡放置在40厘米左右，這樣聲音更清晰一些。這裏還需要注意一點，背板千萬不要靠牆或者朝著牆的方向！而應該衝外。如果靠牆的話，後果就不堪設想了，你將會得到一個梳狀濾波效應的範例！ 一種最古老的錄製立式鋼琴的方式是敞開頂蓋，然後吊著麥克風錄立體聲。但是這種方法錄製出來的聲音毫無活力和立式鋼琴的特點，已經很少看到有人用了。如果你有足夠的時間，不妨一試。另外一種可行的方法是使用PZM從背板錄製立式鋼琴，但是考慮到我國的PZM的普及情況（實際上國外也不多見）——我隻見過不超過3個棚有這樣的條件，此方法並不實用。 如果你想要更清晰、獨立一些的聲音，可以試著拆掉鋼琴的前板——鍵盤下麵的擋板。使用一支心型指向的麥克風或者一對心型指向的麥克風（立體聲錄音）擺放在高音弦附近——減小低頻成分，這樣聲音更清澈一些，麥克風輕微向上可以避免拾到過多踏板的噪音。這種方法能夠得到比較清晰的立式鋼琴聲音，適用於流行樂和爵士樂。 實戰音樂會大鋼琴錄音 1．基本原理 音樂會大鋼琴的錄音方式，不外乎兩種，一種為近距離麥克風拾音，另外一種為遠距離麥克風拾音。任何的麥克風擺放方式，都能作為變種而歸納在這兩種方式裏麵，正所謂萬變不離其宗。我們目前所要做的，就是充分了解這兩種方式。 根據筆者的經驗，大鋼琴錄音的難，就難在這兩種方式，均無法達到完美的程度，他們一定在某些方麵，需要妥協。而妥協的藝術，正是這世間最難的藝術。比如大家都看作很神秘的母帶處理，就是一種妥協的藝術。但凡要妥協，就很麻煩。我們首先說近距離麥克風拾音，我們在前麵已經介紹過，鋼琴的聲音中含有很多的元素，其包含了本身的樂音、共鳴音和機械噪音，而機械噪音，又包括踏板機構的噪音和錘子敲擊和離開琴弦的聲音。這些聲音加上琴體的共鳴，還要在琴蓋上發生多重反射。這些聲音的發聲位置又不盡相同，因此近距離麥克風錄音就不可避免的會突出某種聲音——比如如果你的麥克風距離踏板最近，則踏板的噪音聽起來就要明顯很多。而麥克風擺放在鋼琴的琴弦上方，不同的位置接受的反射聲波又不一樣。所以近距離麥克風拾音，不可避免要在某一方麵有所取舍，這就是要妥協。 而遠距離麥克風拾音，則不受這些因素的影響，能夠完整捕捉到鋼琴整體的聲音。有人因此說了，那我們就光用遠距離麥克風拾音吧。但是問題在於，遠距離麥克風拾音隻能錄製鋼琴的“濕音”，相對於近距離麥克風拾音的錄音，這個聲音包含有混響並且對於細節的表現力遠遠不如近距離麥克風拾音，所以遠距離麥克風拾音對於“幹聲”基本算是絕緣了，可能會引起幹聲愛好者或者細節狂人的不滿。因此，有時無法選擇遠距離麥克風拾音或者是需要在一個相對比較近的地方進行遠距離麥克風拾音，這仍然需要妥協。雖然要做頭疼的妥協，但是我們可以總結出兩點基本原則：需要鋼琴整體聲音多一些，或者是“濕聲”愛好者，就應該使用遠距離麥克風拾音。而需要突出某種細節，或者是希望有臨場感很強、接近演奏者效果的，應該使用近距離麥克風拾音。 在錄音前，我們必須要確保一個比較理想的聲學環境，棚高8米之類的當然最好……還有鋼琴的擺放也要花費心思仔細調整，爭取能夠在錄音間裏取得最好 的音響效果。低音弦部分不要挨著牆等已經是必備的常識了，這裏就不多說了。下麵我們先來重點討論近距離麥克風拾音，所謂的近距離麥克風拾音，一般都是使用一對麥克風分別放置在鋼琴的低音部分和高音部分，這樣錄出的聲音，一支低音占主體，一支高音比例多一些。輸出到調音台後，把低音突出的那一軌相位設置為偏左一些，把高音突出的那一軌相位設置為偏右一些，這樣就成為一個立體聲錄音。很多近距離麥克風拾音的方法，差別僅僅在於麥克風位置的不同，大致總結歸納起來，有這樣三種位置，如圖：
第一種為圖中C所示，其中負責低音部分的麥克風放置在C2（以A0為最低音）弦上方大約20-30厘米處，而負責高音部分的麥克風放置在C6弦附近，同樣是上方20-30厘米處。錄製出來後先試聽一遍，然後按照下列原則進行調整——麥克風越靠近鍵盤部分，聲音將會越亮，衝擊力和動態將越大，但是將會缺乏延續、溫暖的聲音，也就是金屬味趨向變濃而木頭味趨向變淡。麥克風離鍵盤部分越遠，則聲音將會越暗，木頭味道開始占上風，但是缺乏了衝擊力和動態。使用這種方法錄製的時候需要注意的是，由於低音部分的麥克風需要放置在靠後的部分以獲得更好的低頻響應，這時候鋼琴的琴蓋板需要完全打開，否則麥克風很可能無法放置在20-30厘米的高度。 第二種為圖中A所示，兩支麥克風均放置在音孔上方大約20厘米左右。許多工程師對這種方案有偏愛，但是筆者個人經驗顯示，此種方法有一定的操作難度，並且聲音木頭味多了不少，總體偏軟。許多錄音師偏愛此方案的原因在於大鋼琴音孔的位置是固定的而且很好找。位置則一般都選擇在左右方第二個音孔上方，所以此方案花費時間短但是見效快，讀者們也可一試。 第三種方法如圖中B所示，一對麥克風進行XY製式拾音，麥克風放置在鋼琴的中部上方，呈一個較大的夾角，大約為100度到120度的範圍內。這樣來兩支麥克風的中軸朝向後方，而不是側方，此方案需要注意的地方在於要求兩支麥克風需要有較好的離軸響應特性。 說完了近距離麥克風拾音，下一步我們自然就要開始討論遠距離麥克風拾音了。如圖所示：
圖中顯示了沿著琴蓋和鋼琴的夾角等角平分線的理想麥克風的位置，在這個位置上，所有的頻率都能夠得到均勻、原汁原味的再現。因此理想的遠距離麥克風拾音方案，就被限定在沿著這條線移動。隨著麥克風和鋼琴距離的拉大，聲音會越來越“濕”，也顯得更加溫暖，同時此種方案傾向於在聽眾的位置欣賞，所以古典音樂錄音絕大部分都采用遠距離麥克風拾音，而偏愛“幹聲”的流行音樂，則更多使用近距離麥克風拾音。近些年的一種發展趨勢表明，不少錄音師傾向於將話筒盡量靠近鋼琴，這樣似乎可以得到相對中性的聲音。但是隨著到鋼琴距離的減少，更多的負麵因素——機械噪音和共鳴幹擾，則也會越來越多的遇到。
如圖所示，麥克風距離鋼琴已經很近，以至於大家會誤以為是近距離麥克風拾音方案，而分析其實質，則還是應該歸於遠距離麥克風拾音，正如上麵所說的，此種方法在兩種方案中都作了妥協，並且在操作上有一定的難度。但是在時間充裕的條件下，值得一試。 上麵用了這麽多的篇幅，才說了兩種方案。讀者可能不樂意了，覺得兩種方案不夠。那麽，每個錄音大師, , , 的方案都可能不相同，但是正所謂萬變不離其宗，下麵我們就來看看這兩種方案的變種都有什麽，如圖：
這些都是近距離麥克風拾音的變種，區別就在於麥克風的擺設方式。在各種不同的方案中，我們能夠遇到各種千奇百怪的擺放方式，吊著的、呈45度等等的，幾乎可以說360度，每度都有一種方式。而讀者要問了，這麽多的方式，憑什麽一種方案，他們能這麽變？筆者這裏的答案是：和麥克風的性能息息相關，不同的性能，造成了理想方式的不一樣。即便同樣是U87，合體之間的差異也仍然存在，更別提不同牌子、型號了。最後，我就結合實例，結合麥克風的性能，具體分析幾個案例，爭取給讀者帶來更多的啟發。 2．實戰案例1：GigaPiano采樣錄音實況 主麥克風使用了AMS Soundfield Mk-V，這是一支昂貴無比的麥克風。 第二麥克風使用了兩支Neumann M-149，
MS方式錄音。大家可以看到，主麥克風采用的近距離麥克風拾音的第三種方案，其使用了一支聲場麥克風來錄製立體聲，高度30厘米，角度約45度。這樣的處理使得規避了機械噪音的主要來源方向，聲音會傾向於溫暖。而第二麥克風采用的是遠距離麥克風拾音，仍然是立體聲。但是注意是MS製式，這樣的好處在於便於後期處理，而如果覺得環境聲音過多，可以直接去掉S的那一條軌道。總體上來說，這是兩種方式的典型應用，而依靠麥克風性能的程度並不是特別誇張。 3．實戰案例2 下圖仍然是最基本的近距離拾音方案，兩支麥克風分別錄製低音和高音部分。
下圖中的麥克風擺放，對準了音孔，區別隻是位置有所不同。
這個方案有些特殊，一隻麥克風在鋼琴的尾部錄音，這樣出來的聲音將很溫暖，但同時缺乏衝擊力和動態，高頻成分也將被大幅削弱，如果不是特殊的用途，不推薦這種錄音方式。
4．進階錄音1——麥克風“海”說到麥克風“海”錄音法，這是大棚特有的秘密武器其實這並不能算是一種創新的錄音方案，而是一種為了節省時間的做法。由於鋼琴錄音前需要調整麥克風的位置很多次，因此一個一個方案試下來，錄音師頭上的汗嘩嘩的流，客戶錢包裏的錢也嘩嘩的出，當然客戶的心也在嘩嘩地淌血，大棚沒什麽太大的好處，其中有一點好處就是這麽多年攢下了不少麥克風。因此早就有聰明人想到了這樣一種方法——腳踩幾隻船，也就是一次同時試驗多個方案，至於能有多少個，取決於麥克風的數量。而實際結果也顯示，這方法確實好，一來速度快了不少，二來也避免了聽覺疲勞，屬於大家一起雙贏的方案。 5．進階錄音2——矩陣錄音麥克風“海”雖然有優勢，但是也有不好的地方。有些時候，硬件上的搭配至關重要，比如也許對於這個鋼琴，麥克風A和話放D的搭配效果最好。又或者有時候需要以某種比例來混合出製作人想要的聲音。對於這兩點，麥克風“海”就毫無辦法。但是總有聰明人想到了解決問題的方法，也就是麥克風的位置不變，隻不過從以方案排列麥克風變成以位置排列麥克風，並且在後端則加入一個音頻矩陣設備負責處理和分配複雜的信號流程。這就好比麥克風“海”屬於足球中的人盯人防守，而矩陣錄音則屬於足球中的區域防守。二者的側重點不同。但是矩陣錄音對於設備要求實在有些繁瑣，這裏就不細說了。 6．綜合和總結通過上麵的例子，我們可以總結出一套鋼琴錄音的流程來，具體步驟可以如下： 1．首先確保鋼琴經過調音達到一個最佳的狀態 2．確保錄音是在一個合格的聲學環境下 3．調整鋼琴到最佳的聲學位置 4．根據具體需求確定錄音的方式 5．根據錄音方式確定錄音使用的麥克風 6．麥克風擺位的調整 7．開始錄音前拍照存檔 到了這裏，我們終於說完了關於鋼琴錄音的絕大部分方麵，如有遺漏，還需要各位多多包涵。寫這麽長文章的目的，還是希望大家了解到錄音藝術的嚴肅性和嚴謹性，以及感受其困難程度。同時我也希望本文能夠給那些不斷探索錄音藝術的朋友一些啟示。 |
第二篇才是原創：錄音的技術：https://blog.wenxuecity.com/myblog/36867/202007/34418.html
雅馬哈的琴似乎太亮了有點張揚。在美國斯坦威是標準，但是每架琴音色都不同，也有好有不好，更別說不同等級的琴了。雅馬哈的音箱也有類似問題或特點，清晰但是有點空洞。