正文
電影中的古典音樂（上）
電影被稱做第八藝術，也是綜合性藝術，當然包括音樂的表現方式。要談電影中的古典音樂，就要先了解在電影專業上，音樂應用可以粗分成哪些型態，也就是了解電影音樂的分類。
●電影音樂的分類
若不想牽涉太多電影專業術語，但又想精確了解電影音樂的類型，就必須從兩個向度來看電影音樂：一個從配樂創作者的角度來看，另一個從配樂搭配劇情的角度來看。
從配樂創作的角度來看，電影音樂可以分成原著音樂及非原著音樂兩大類。
原著音樂，是作曲家專門為電影譜寫的樂曲。像是譚盾為《臥虎藏龍》（Crouching Tiger Hidden Dragon）寫的那段飛簷走壁鼓樂，或者是丹尼艾夫曼（Danny Elfman）為《蜘蛛人2》（Spider Man 2）所寫的主題音樂。
而非原著音樂，則是將既有的現成作品配在電影上。像是電影《瘋狂喬治王》（The Madness Of King George）運用韓德爾（George Frideric Handel）的《水上音樂》（Water Music），或者是維斯康提（Luchino Visconti）的《魂斷威尼斯》（Death in Venice）運用馬勒（Gustav Mahler）《第五號交響曲》的慢板樂章。
若換個角度，從配樂搭配劇情方麵來看，電影音樂則可分「Source Music」以及「Score Music」兩大類。
「Source Music」用在劇情中出現真正聲音來源，必須取信於觀眾時，因此主要是寫實之用。例如《英倫情人》（The English Patient，1996）女主角在斷腿的鋼琴上彈奏，就必須真的找首鋼琴曲來配。或者是《第五元素》（The Fifth Element）的章魚外星女高音演唱時，就需要一首詠歎調。
而「Score Music」則是指劇情中我們無法找到聲音來源，但卻為了烘托或強化劇情效果而存在，因此多是寫意之用。例如《似曾相識》（Somewhere in Time）中，作曲家約翰貝瑞（John Barry）專為男女主角生離死別所寫的纏綿配樂，或是《麻雀變鳳凰》（Pretty Woman，1990）裏，那首大家朗朗上口的流行歌曲《Pretty Woman》。
在電影配樂發展初期，好萊塢製作公司甚至要求，導演一定要在「Score Music」出來時，透過劇情交待清楚音樂來源，也就是說盡量讓它變成「Source Music」，免得觀眾一頭霧水，找不到什麽東西在發出音樂。
這個電影語匯發展初期的怪象，對現在的電影觀眾來說，可能覺得不可思議。因為當我們眼睛看著《第六感生死戀》（Ghost）屏幕上，女主角黛咪摩爾（Demi Moore）跟男主角派崔克史威茲（Patrick Swayze）兩人相擁拉著陶土，耳朵卻聽著正義兄弟（The Righteous Brothers）演唱的《Unchained Melody》旋律時，絲毫見怪不怪，不會誤以為陶土會唱歌，能夠完全掌握導演想要傳達的情緒效果。
附表：電影音樂四大類實例
第一類原著音樂& Source Music：珍康萍（Jane Campion）執導的《鋼琴師和她的情人》（The Piano），女主角所彈的曲子，是麥可尼曼（Michael Nyman）專為該片而寫。
第二類原著音樂& Score Music：恐怖大師希區考克（Alfred Hitchcock）執導的《驚魂記》（Psycho），柏納赫曼（Bernard Herrman）專為該片凶案發生時，寫了充滿驚悚張力的弦樂段落。
第三類非原著音樂& Source Music：史考特希克斯（Scott Hicks）執導的《鋼琴師》（Shine），男主角彈奏的鋼琴協奏曲，並非拉赫曼尼赫夫專為該片所寫。
第四類非原著音樂& Score Music：庫柏利克（Stanley Kubrick）執導的《2001年太空漫遊》（2001 A Space Odyssey），航天員在宇宙飛船上配史特勞斯的《藍色多瑙河》的音樂。
（注）Source Music指影片中有確實聲音來源（寫實），Score Music指影片中無此聲音來源（寫意）
●電影與古典的纏綿故事
從電影音樂的發展來看，電影與古典音樂的關係其實相當緊密，無論從電影史來談或是從電影內容來談，都有十分纏綿的關係。
盧米埃兄弟（The Lumiere Family）1895年12月28日，在巴黎放映了影史上的第一部商業片，當時還請了鋼琴家在現場演奏通俗小品，為當時「沉默的電影」配上一點氣氛，也讓電影與音樂首度「發生關係」。不過，寫下電影音樂第一頁的人，應算是電影之父葛裏斯（D.W. Griffth）。他在《國家的誕生》（Birth of Nation，1915）一片中，首次與音樂家布瑞爾（Joseph Carl Briel）創作出美國民謠的配樂型態，音樂開始成為電影的重要構成元素。
其實，初期對電影音樂較具貢獻的人是古典音樂家。因為從有聲電影問世到三○年代中，電影音樂是以純音樂的型態來構思創作，因此電影音樂有濃濃的古典味。例如法國作曲家聖桑（Charles Camille Saint-Saens），便曾在1908年為電影《謀殺居伊茲公爵》（L'Assassint du Duc de Guise）配上作品128號，有機的把音樂與畫麵整合，深獲好評。
這些訓練有素的古典音樂家，大多數抱著玩票性質從事配樂工作，但也玩出不錯的成績。像是俄國的艾森斯坦（Sergei Eisenstein）與普羅高菲夫（Sergei Sergeyevich Prokofiev）兩人合作的《恐怖伊凡》（Ivan the Terrible，1945），就十分成功，使得普羅高菲夫成為俄國電影音樂的核心人物。在當時，把柴可夫斯基（Peter Ilyitch Tchaikovsky）、貝多芬（Ludwig Van Beethoven）、普契尼（Giacomo Puccini）等人現成的古典樂曲運用在電影，非常普遍。
如果我們從電影內容來看，拿古典音樂當成作曲家傳記電影的配樂，無論對劇情發展或時空背景都更具說服力。較出名的例子就是描寫莫紮特（Wolfgang Amadeus Mozart）故事的《阿瑪迪斯》（Amadeus），以及講貝多芬愛情故事的《永恒的戀人》（Immortal Beloved），兩片分別大量采用兩位大作曲家的作品。
我個人看過音樂與劇情「高度整合」的片子，則是英國導演肯羅素（Ken Russell）執導的《馬勒傳》（Mahler）。片中除了極少數的運用華格納（Richard Wagner）音樂外，完全采用馬勒的作品配樂，讓觀眾了解馬勒人格特質之餘，也對他的音樂留下極大的印象。肯羅素愛拍傳記電影，也很懂用作曲家的音樂來配電影，他另外知名的傳記電影是《樂聖柴可夫斯基》（The Music Lovers，1971）。
影史上還有許多知名的作曲家電影，像是美國片《新翠堤春曉》（The Great Waltz），是「圓舞曲之王」小約翰史特勞斯（Johann Strauss Jr.）的傳記，片中大量運用《藍色多瑙河》、《春之聲》等圓舞曲。
●作曲家在電影中談情說愛
早期由凱薩琳赫本（Katharine Hepburn）飾演克拉拉舒曼（Clara Schumann）的美國片《愛之歌，1947》（Song of Love，1947），則講她與布拉姆斯的感情。九十年代德國更進一步拍攝舒曼（Robert Schumann）與克拉拉舒曼的愛情故事《春天交響曲》（Spring Symphony，1983）。
說到以作曲家愛情為主軸的電影，還有由休葛蘭（Hugh Grant）與艾瑪湯普森（Emma Thompson）主演，描述蕭邦（Frederick Chopin）跟喬治桑（George Sand）愛情的《我愛蕭邦》（Impromptu）。以及由德克波加德（Dirk Bogarde）主演的美國片《一曲相思情未了》（Song Without End，1960），將李斯特（Franz Liszt）的愛情故事搬上銀幕。另一部美國片《Richard et Cosima，1986》，則講華格納與李斯特女兒柯西瑪（Cosima）的不倫之愛。這些片子也當然大量運用作曲家作品。
有興趣的朋友還可以進一步去找，談「歌曲之王」舒伯特（Franz Schubert）的英國片《Blossom Time，1934》，以及談法國歌劇作曲家比才（Georges Bizet）的
美國片《Bizet's Dream，1995》。
當然，講古典演奏家的故事的電影，也會用上「很重的」古典音樂。最明顯的例子就是，描述澳州鋼琴家大衛赫夫考（David Helfgott）真實故事的電影《鋼琴師》（Shine），完全以拉赫曼尼諾夫《第三號鋼琴協奏曲》為音樂主軸，造成上映時這首作品的聆聽熱。另外，描述二次大戰波蘭鋼琴家華迪洛史匹曼（Wladyslaw Szpilman）戰後餘生故事的《戰地琴人》（The Pianist），也炒熱了一波蕭邦《夜曲》熱。
同樣的情況還包括，女大提琴家杜普蕾（Jacqueline Du Pre）的故事《無琴荒地有情天》（Hilary and Jackie），重現文藝複興時期閹唱男高音時代的《絕代豔姬》（Farinelli il Castrato），以及描述古大提琴家故事的《世界的每一個早晨》（All Morning of the World），還有《伴奏者》（L'Accompagnatrice）等等。
#2
電影中的古典音樂（下）
●現代電影對古典音樂的不朽應用
顯而易見，並非隻有跟古典作曲家或演奏家有關的電影，才能運用古典音樂，現代電影早已大量運用古典樂當配樂，其中不乏經典的應用實例。姑且不論是導演或是配樂家的個人偏好，對影迷來說，能將影像與音樂扣緊，讓人牢牢記在心裏的，才能算是經典的電影配樂。
由勞勃瑞福（Robert Redford）與梅莉史翠普（Meryl Streep）領銜的《遠離非洲》（Out Of Africa），片中男女主角在非洲草原野餐，留聲機放出莫紮特《豎笛協奏曲》，營造出一幅隻羨鴛鴦不羨仙的場景。另外，克裏斯多福李維（Christopher Reeve）與珍西摩兒（Jane Seymour）主演的《似曾相識》，透過拉赫曼尼諾夫《帕格尼尼主題狂想曲》的音樂散發出一股穿越時空、生死相隨的迷離情愫，讓觀眾回味無窮。這兩例是現代電影配上古典音樂的經典模板。
莫紮特音樂出現在電影中的頻率很高，像是《海底城》（The Spy Who Loved Me，1977）一片，可以聽到他的《第二十一號交響曲》；《綠卡》（Green Card，1990）中可以聽到《長笛與豎笛協奏曲》；《我的左腳》（My Left Foot）則運用《女人皆如此》的詠歎調；《最後魔鬼英雄》（Last Action Hero，1993）一片有《費加洛的婚禮》序曲等。
「音樂之父」巴哈以及「樂聖」貝多芬的作品，當然更常被現代電影運用，充滿理性的巴哈音樂常被用在殺手出現的緊張氣氛時，呈現一種大反差的戲劇效果。
例如把巴哈的《郭德堡變奏曲》用在電影《沉默的羔羊》（The Silence Of The Lambs，1991）、《英倫情人》上；把優雅的《G 弦之歌》用在驚悚警世的《火線追緝令》（Seven，1995）上；《第二號英國組曲》用在電影《罪與罰》（Crime and Punishment，1998）。另外在《悲憐上帝的女兒》（Children of a Lesser God）可以聽到《d小調雙小提琴協奏曲》；電影《神通情人夢》（Electric Dreams，1984）可以聽到家喻戶曉的《小步舞曲》。
而貝多芬音樂則會用在英雄片中，或者命運乖離的主角身上。像在《終極警探1》（Die Hard 1）裏頭聽到《合唱交響曲》，在《此情可問天》（Howard Ends）裏頭聽到《命運交響曲》，在《戰栗遊戲》（Misery）中聽見抒情浪漫的《月光奏鳴曲》。
管弦色彩豐富的拉威爾《波麗露》也常被電影運用，敘述第二次世界大戰，四個猶太家族遭受德軍迫害與劫後餘生的電影《戰火浮生錄》（Les Uns et les autres，1981），劇末在凱旋門的那場芭蕾舞演出，絕妙地配上《波麗露》，令影迷血脈奔張，留下不可磨滅的印象，而《十誡》（The Ten Commandmends）也把《波麗露》拿來當配樂。
●戲劇性強的樂曲最受青睞
充滿戲劇張力與詭異氣氛的舒伯特的《死與少女》弦樂四重奏，被用在探討婚外情問題的法國電影《美得過火》（Too Beautiful for You）中，也被用在雪歌妮薇佛（Sigourney Weaver）跟班金斯利（Ben Kingsley）主演的「死亡處女」（Death and the Maiden）。雖然兩部電影風格迥異，但是卻不約而同選了相同作品。
而管弦色彩豐富的華格納歌劇《女武神》，出現在電影《現代啟示錄》（Apocalypse Now）的情況也令人印象深刻；而電影《狂戀維納斯》（Meeting Venus）則是不斷運用華格納《唐懷瑟》裏頭的《維納斯堡音樂》，營造主角沉溺肉欲的感覺。
歌劇中精采的詠歎調更是電影中的常客，有的看上詠歎調的優美旋律，有的則是想透過詠歎調的歌詞隱喻劇情發展，有的則純粹希望造成觀影者視覺與聽覺有「分道揚鑣」的休息感，就像歌劇中詠歎調一唱起，除了演唱者之外，所有的時空與角色都靜止一樣。
《蒙娜麗莎》（Mona Lisa）一片描述受黑道控製的高級妓女，與接送她的司機之間的愛情故事，片中選用歌劇《蝴蝶夫人》，呼應淒美感傷的結局。改編自小說家亨利詹姆的英國電影《窗外有藍天》（A Room With a View），劇情則描寫一對相互愛慕的男女，因為英國傳統禮教的束縛，險些錯失姻緣，片中運用普契尼歌劇《強尼史基基》裏頭的詠歎調<我親愛的爸爸>，轉述女主角早有所屬的心聲。
此外，電影《麻雀變鳳凰》引用了威爾第歌劇《茶花女》，《華爾街》（The Wall Street）也用了威爾第另一出歌劇《弄臣》，而電影《費城》（Philiphisa）則選用了喬大諾（Gioradano）歌劇《Andrea Chenier》第三幕的精采詠歎調，象征男主角內心的掙紮。
最後我最喜歡的間奏曲，馬斯康尼（Pietro Mascagni）的歌劇《鄉間騎士》間奏曲，弦樂群縝密拉奏配上浪漫合聲，讓音樂充滿戲劇張力。此曲同時被用在勞伯迪尼洛（Robert De Niro）飾演中量級拳王的《狂牛》（Raging Bull），以及幫派電影電影《教父Ⅲ》（The Godfather 3）中，巧的是，兩片同樣是充滿男性陽剛的電影。
●結語
自從奧斯卡1934年增加「最佳音樂獎」，頒給《一夜之緣》（One Night of Love）的同名主題曲後，電影音樂的發展有了正麵積極的效應。其實看電影時，視覺與聽覺的感受，必須並行不悖且相互平衡。德國電影音樂學家漢斯艾斯勒（Hanns Eisler）表示，音樂是影像的解藥，因為觀眾目睹接近真實的影片內容時，如果聽不到相對應的真實聲音，感官上會有不舒服。
因此當觀眾專注在影片內容，交替給他們的耳朵聽到，真實的聲音以及感性的音樂，是觀影情緒的重要調劑。
現代電影高度發展，早已建構一套可供專業電影音樂工作者運作的法則。片商與作曲家簽約，讓他們衣食無缺全心投入配樂工作，透過音樂讓電影語匯更多元更成熟。顯然，在未來的電影裏，音樂扮演的角色隻會越來越吃重，而我們也將有更多機會聽到古典音樂巧妙地「粘上」劇情。
電影被稱做第八藝術，也是綜合性藝術，當然包括音樂的表現方式。要談電影中的古典音樂，就要先了解在電影專業上，音樂應用可以粗分成哪些型態，也就是了解電影音樂的分類。
●電影音樂的分類
若不想牽涉太多電影專業術語，但又想精確了解電影音樂的類型，就必須從兩個向度來看電影音樂：一個從配樂創作者的角度來看，另一個從配樂搭配劇情的角度來看。
從配樂創作的角度來看，電影音樂可以分成原著音樂及非原著音樂兩大類。
原著音樂，是作曲家專門為電影譜寫的樂曲。像是譚盾為《臥虎藏龍》（Crouching Tiger Hidden Dragon）寫的那段飛簷走壁鼓樂，或者是丹尼艾夫曼（Danny Elfman）為《蜘蛛人2》（Spider Man 2）所寫的主題音樂。
而非原著音樂，則是將既有的現成作品配在電影上。像是電影《瘋狂喬治王》（The Madness Of King George）運用韓德爾（George Frideric Handel）的《水上音樂》（Water Music），或者是維斯康提（Luchino Visconti）的《魂斷威尼斯》（Death in Venice）運用馬勒（Gustav Mahler）《第五號交響曲》的慢板樂章。
若換個角度，從配樂搭配劇情方麵來看，電影音樂則可分「Source Music」以及「Score Music」兩大類。
「Source Music」用在劇情中出現真正聲音來源，必須取信於觀眾時，因此主要是寫實之用。例如《英倫情人》（The English Patient，1996）女主角在斷腿的鋼琴上彈奏，就必須真的找首鋼琴曲來配。或者是《第五元素》（The Fifth Element）的章魚外星女高音演唱時，就需要一首詠歎調。
而「Score Music」則是指劇情中我們無法找到聲音來源，但卻為了烘托或強化劇情效果而存在，因此多是寫意之用。例如《似曾相識》（Somewhere in Time）中，作曲家約翰貝瑞（John Barry）專為男女主角生離死別所寫的纏綿配樂，或是《麻雀變鳳凰》（Pretty Woman，1990）裏，那首大家朗朗上口的流行歌曲《Pretty Woman》。
在電影配樂發展初期，好萊塢製作公司甚至要求，導演一定要在「Score Music」出來時，透過劇情交待清楚音樂來源，也就是說盡量讓它變成「Source Music」，免得觀眾一頭霧水，找不到什麽東西在發出音樂。
這個電影語匯發展初期的怪象，對現在的電影觀眾來說，可能覺得不可思議。因為當我們眼睛看著《第六感生死戀》（Ghost）屏幕上，女主角黛咪摩爾（Demi Moore）跟男主角派崔克史威茲（Patrick Swayze）兩人相擁拉著陶土，耳朵卻聽著正義兄弟（The Righteous Brothers）演唱的《Unchained Melody》旋律時，絲毫見怪不怪，不會誤以為陶土會唱歌，能夠完全掌握導演想要傳達的情緒效果。
附表：電影音樂四大類實例
第一類原著音樂& Source Music：珍康萍（Jane Campion）執導的《鋼琴師和她的情人》（The Piano），女主角所彈的曲子，是麥可尼曼（Michael Nyman）專為該片而寫。
第二類原著音樂& Score Music：恐怖大師希區考克（Alfred Hitchcock）執導的《驚魂記》（Psycho），柏納赫曼（Bernard Herrman）專為該片凶案發生時，寫了充滿驚悚張力的弦樂段落。
第三類非原著音樂& Source Music：史考特希克斯（Scott Hicks）執導的《鋼琴師》（Shine），男主角彈奏的鋼琴協奏曲，並非拉赫曼尼赫夫專為該片所寫。
第四類非原著音樂& Score Music：庫柏利克（Stanley Kubrick）執導的《2001年太空漫遊》（2001 A Space Odyssey），航天員在宇宙飛船上配史特勞斯的《藍色多瑙河》的音樂。
（注）Source Music指影片中有確實聲音來源（寫實），Score Music指影片中無此聲音來源（寫意）
●電影與古典的纏綿故事
從電影音樂的發展來看，電影與古典音樂的關係其實相當緊密，無論從電影史來談或是從電影內容來談，都有十分纏綿的關係。
盧米埃兄弟（The Lumiere Family）1895年12月28日，在巴黎放映了影史上的第一部商業片，當時還請了鋼琴家在現場演奏通俗小品，為當時「沉默的電影」配上一點氣氛，也讓電影與音樂首度「發生關係」。不過，寫下電影音樂第一頁的人，應算是電影之父葛裏斯（D.W. Griffth）。他在《國家的誕生》（Birth of Nation，1915）一片中，首次與音樂家布瑞爾（Joseph Carl Briel）創作出美國民謠的配樂型態，音樂開始成為電影的重要構成元素。
其實，初期對電影音樂較具貢獻的人是古典音樂家。因為從有聲電影問世到三○年代中，電影音樂是以純音樂的型態來構思創作，因此電影音樂有濃濃的古典味。例如法國作曲家聖桑（Charles Camille Saint-Saens），便曾在1908年為電影《謀殺居伊茲公爵》（L'Assassint du Duc de Guise）配上作品128號，有機的把音樂與畫麵整合，深獲好評。
這些訓練有素的古典音樂家，大多數抱著玩票性質從事配樂工作，但也玩出不錯的成績。像是俄國的艾森斯坦（Sergei Eisenstein）與普羅高菲夫（Sergei Sergeyevich Prokofiev）兩人合作的《恐怖伊凡》（Ivan the Terrible，1945），就十分成功，使得普羅高菲夫成為俄國電影音樂的核心人物。在當時，把柴可夫斯基（Peter Ilyitch Tchaikovsky）、貝多芬（Ludwig Van Beethoven）、普契尼（Giacomo Puccini）等人現成的古典樂曲運用在電影，非常普遍。
如果我們從電影內容來看，拿古典音樂當成作曲家傳記電影的配樂，無論對劇情發展或時空背景都更具說服力。較出名的例子就是描寫莫紮特（Wolfgang Amadeus Mozart）故事的《阿瑪迪斯》（Amadeus），以及講貝多芬愛情故事的《永恒的戀人》（Immortal Beloved），兩片分別大量采用兩位大作曲家的作品。
我個人看過音樂與劇情「高度整合」的片子，則是英國導演肯羅素（Ken Russell）執導的《馬勒傳》（Mahler）。片中除了極少數的運用華格納（Richard Wagner）音樂外，完全采用馬勒的作品配樂，讓觀眾了解馬勒人格特質之餘，也對他的音樂留下極大的印象。肯羅素愛拍傳記電影，也很懂用作曲家的音樂來配電影，他另外知名的傳記電影是《樂聖柴可夫斯基》（The Music Lovers，1971）。
影史上還有許多知名的作曲家電影，像是美國片《新翠堤春曉》（The Great Waltz），是「圓舞曲之王」小約翰史特勞斯（Johann Strauss Jr.）的傳記，片中大量運用《藍色多瑙河》、《春之聲》等圓舞曲。
●作曲家在電影中談情說愛
早期由凱薩琳赫本（Katharine Hepburn）飾演克拉拉舒曼（Clara Schumann）的美國片《愛之歌，1947》（Song of Love，1947），則講她與布拉姆斯的感情。九十年代德國更進一步拍攝舒曼（Robert Schumann）與克拉拉舒曼的愛情故事《春天交響曲》（Spring Symphony，1983）。
說到以作曲家愛情為主軸的電影，還有由休葛蘭（Hugh Grant）與艾瑪湯普森（Emma Thompson）主演，描述蕭邦（Frederick Chopin）跟喬治桑（George Sand）愛情的《我愛蕭邦》（Impromptu）。以及由德克波加德（Dirk Bogarde）主演的美國片《一曲相思情未了》（Song Without End，1960），將李斯特（Franz Liszt）的愛情故事搬上銀幕。另一部美國片《Richard et Cosima，1986》，則講華格納與李斯特女兒柯西瑪（Cosima）的不倫之愛。這些片子也當然大量運用作曲家作品。
有興趣的朋友還可以進一步去找，談「歌曲之王」舒伯特（Franz Schubert）的英國片《Blossom Time，1934》，以及談法國歌劇作曲家比才（Georges Bizet）的
美國片《Bizet's Dream，1995》。
當然，講古典演奏家的故事的電影，也會用上「很重的」古典音樂。最明顯的例子就是，描述澳州鋼琴家大衛赫夫考（David Helfgott）真實故事的電影《鋼琴師》（Shine），完全以拉赫曼尼諾夫《第三號鋼琴協奏曲》為音樂主軸，造成上映時這首作品的聆聽熱。另外，描述二次大戰波蘭鋼琴家華迪洛史匹曼（Wladyslaw Szpilman）戰後餘生故事的《戰地琴人》（The Pianist），也炒熱了一波蕭邦《夜曲》熱。
同樣的情況還包括，女大提琴家杜普蕾（Jacqueline Du Pre）的故事《無琴荒地有情天》（Hilary and Jackie），重現文藝複興時期閹唱男高音時代的《絕代豔姬》（Farinelli il Castrato），以及描述古大提琴家故事的《世界的每一個早晨》（All Morning of the World），還有《伴奏者》（L'Accompagnatrice）等等。
#2
電影中的古典音樂（下）
●現代電影對古典音樂的不朽應用
顯而易見，並非隻有跟古典作曲家或演奏家有關的電影，才能運用古典音樂，現代電影早已大量運用古典樂當配樂，其中不乏經典的應用實例。姑且不論是導演或是配樂家的個人偏好，對影迷來說，能將影像與音樂扣緊，讓人牢牢記在心裏的，才能算是經典的電影配樂。
由勞勃瑞福（Robert Redford）與梅莉史翠普（Meryl Streep）領銜的《遠離非洲》（Out Of Africa），片中男女主角在非洲草原野餐，留聲機放出莫紮特《豎笛協奏曲》，營造出一幅隻羨鴛鴦不羨仙的場景。另外，克裏斯多福李維（Christopher Reeve）與珍西摩兒（Jane Seymour）主演的《似曾相識》，透過拉赫曼尼諾夫《帕格尼尼主題狂想曲》的音樂散發出一股穿越時空、生死相隨的迷離情愫，讓觀眾回味無窮。這兩例是現代電影配上古典音樂的經典模板。
莫紮特音樂出現在電影中的頻率很高，像是《海底城》（The Spy Who Loved Me，1977）一片，可以聽到他的《第二十一號交響曲》；《綠卡》（Green Card，1990）中可以聽到《長笛與豎笛協奏曲》；《我的左腳》（My Left Foot）則運用《女人皆如此》的詠歎調；《最後魔鬼英雄》（Last Action Hero，1993）一片有《費加洛的婚禮》序曲等。
「音樂之父」巴哈以及「樂聖」貝多芬的作品，當然更常被現代電影運用，充滿理性的巴哈音樂常被用在殺手出現的緊張氣氛時，呈現一種大反差的戲劇效果。
例如把巴哈的《郭德堡變奏曲》用在電影《沉默的羔羊》（The Silence Of The Lambs，1991）、《英倫情人》上；把優雅的《G 弦之歌》用在驚悚警世的《火線追緝令》（Seven，1995）上；《第二號英國組曲》用在電影《罪與罰》（Crime and Punishment，1998）。另外在《悲憐上帝的女兒》（Children of a Lesser God）可以聽到《d小調雙小提琴協奏曲》；電影《神通情人夢》（Electric Dreams，1984）可以聽到家喻戶曉的《小步舞曲》。
而貝多芬音樂則會用在英雄片中，或者命運乖離的主角身上。像在《終極警探1》（Die Hard 1）裏頭聽到《合唱交響曲》，在《此情可問天》（Howard Ends）裏頭聽到《命運交響曲》，在《戰栗遊戲》（Misery）中聽見抒情浪漫的《月光奏鳴曲》。
管弦色彩豐富的拉威爾《波麗露》也常被電影運用，敘述第二次世界大戰，四個猶太家族遭受德軍迫害與劫後餘生的電影《戰火浮生錄》（Les Uns et les autres，1981），劇末在凱旋門的那場芭蕾舞演出，絕妙地配上《波麗露》，令影迷血脈奔張，留下不可磨滅的印象，而《十誡》（The Ten Commandmends）也把《波麗露》拿來當配樂。
●戲劇性強的樂曲最受青睞
充滿戲劇張力與詭異氣氛的舒伯特的《死與少女》弦樂四重奏，被用在探討婚外情問題的法國電影《美得過火》（Too Beautiful for You）中，也被用在雪歌妮薇佛（Sigourney Weaver）跟班金斯利（Ben Kingsley）主演的「死亡處女」（Death and the Maiden）。雖然兩部電影風格迥異，但是卻不約而同選了相同作品。
而管弦色彩豐富的華格納歌劇《女武神》，出現在電影《現代啟示錄》（Apocalypse Now）的情況也令人印象深刻；而電影《狂戀維納斯》（Meeting Venus）則是不斷運用華格納《唐懷瑟》裏頭的《維納斯堡音樂》，營造主角沉溺肉欲的感覺。
歌劇中精采的詠歎調更是電影中的常客，有的看上詠歎調的優美旋律，有的則是想透過詠歎調的歌詞隱喻劇情發展，有的則純粹希望造成觀影者視覺與聽覺有「分道揚鑣」的休息感，就像歌劇中詠歎調一唱起，除了演唱者之外，所有的時空與角色都靜止一樣。
《蒙娜麗莎》（Mona Lisa）一片描述受黑道控製的高級妓女，與接送她的司機之間的愛情故事，片中選用歌劇《蝴蝶夫人》，呼應淒美感傷的結局。改編自小說家亨利詹姆的英國電影《窗外有藍天》（A Room With a View），劇情則描寫一對相互愛慕的男女，因為英國傳統禮教的束縛，險些錯失姻緣，片中運用普契尼歌劇《強尼史基基》裏頭的詠歎調<我親愛的爸爸>，轉述女主角早有所屬的心聲。
此外，電影《麻雀變鳳凰》引用了威爾第歌劇《茶花女》，《華爾街》（The Wall Street）也用了威爾第另一出歌劇《弄臣》，而電影《費城》（Philiphisa）則選用了喬大諾（Gioradano）歌劇《Andrea Chenier》第三幕的精采詠歎調，象征男主角內心的掙紮。
最後我最喜歡的間奏曲，馬斯康尼（Pietro Mascagni）的歌劇《鄉間騎士》間奏曲，弦樂群縝密拉奏配上浪漫合聲，讓音樂充滿戲劇張力。此曲同時被用在勞伯迪尼洛（Robert De Niro）飾演中量級拳王的《狂牛》（Raging Bull），以及幫派電影電影《教父Ⅲ》（The Godfather 3）中，巧的是，兩片同樣是充滿男性陽剛的電影。
●結語
自從奧斯卡1934年增加「最佳音樂獎」，頒給《一夜之緣》（One Night of Love）的同名主題曲後，電影音樂的發展有了正麵積極的效應。其實看電影時，視覺與聽覺的感受，必須並行不悖且相互平衡。德國電影音樂學家漢斯艾斯勒（Hanns Eisler）表示，音樂是影像的解藥，因為觀眾目睹接近真實的影片內容時，如果聽不到相對應的真實聲音，感官上會有不舒服。
因此當觀眾專注在影片內容，交替給他們的耳朵聽到，真實的聲音以及感性的音樂，是觀影情緒的重要調劑。
現代電影高度發展，早已建構一套可供專業電影音樂工作者運作的法則。片商與作曲家簽約，讓他們衣食無缺全心投入配樂工作，透過音樂讓電影語匯更多元更成熟。顯然，在未來的電影裏，音樂扮演的角色隻會越來越吃重，而我們也將有更多機會聽到古典音樂巧妙地「粘上」劇情。
評論
XYZ3
2018-03-22 13:03:47
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馬斯卡尼（Pietro Mascagni）的歌劇《鄉間騎士》間奏曲----陽光燦爛的日子裏麵也是用的這。
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