2010 (39)
2017 (25)
2024 (2)
隨著十九世紀二十年代照相技術的問世並日漸發展，傳統繪畫開始陷入了一種尷尬的境界。一方麵，它所擅長的真實性受到了前所未有的挑戰：又有什麽比照片所反映的鏡像更真實呢？另一方麵，傳統繪畫的主要目標之一，人物肖像畫，其生存空間受到了極大的擠壓。在這種情況下，繪畫革命的發生幾乎是必然的。
現代繪畫流派繁多，各門類作品汗牛充棟，歸根到底，畫家已不再以真實性為第一要務，他們明目張膽地在個人作品中宣泄自己的情感，這在古典繪畫中是很難想象的。而這種對照相式真實的反動，事實上把繪畫提高到了更高層次的真實。
讓我們簡單地檢討一下文藝複興以降的繪畫作品的題材，概其大要可分為：聖經故事、大事（宗教、戰爭、慶典）記錄、（大）人物肖像，其涉及範圍比文革時批判的“帝王將相、才子佳人”還要狹窄。普通人的日常生活絕少進入大師們的畫作，更遑論他們的喜怒哀樂。從這點來看，現代繪畫的貢獻巨大。
然而，現代派繪畫的欣賞需要一個不大不小的學習過程，對於畫家及作品全然缺乏了解的話，事實上會在很大程度上降低觀賞的樂趣。這一點與古典繪畫的觀賞非常不同，達芬奇或拉菲爾作品的美明明白白地呈現在他們的畫作上，完全不了解其背景並不會讓你的審美過程產生多少缺憾。
事有一失，必有一得。現代派繪畫融入了太多畫家自己的個人情感與生命體驗，作品成了畫家內在衝突的客觀顯現，這樣的畫作帶來了理解上的不確定性，但正是這種不確定性給了觀賞者一個發揮的空間。甚至可以這麽說，欣賞現代派繪畫的過程，其實是觀賞者在畫家完成作品的基礎上進行再創作。這種“再創作”所帶來的快感，是大多數人對現代派繪畫樂此不疲的真正原因。
紐約現代藝術博物館的藏品無論是數量還是質量，都在世界同類博物館中名列前茅，或許也就巴黎的奧塞博物館（Orsay）能與之比肩。住在紐約周邊的我們，真應該好好利用這一優勢，每年至少去一、兩次。我這人有“兔子不吃窩邊草”的壞習慣，盡管我們全家進 MoMA 是免費的，但並不怎麽去，前一個周末好不容易才又去了一次。
１。紐約現代藝術博物館（MoMA）
２。莫奈（Monet），印象派（Empressionism）的代表性畫家。印象派在光與色方麵對傳統繪畫技法進行了革命性的突破，印象派的畫作尚能為大多數人所欣賞，因為它們還是有著完整的內容的。欣賞印象派的畫作不能靠太近，要退後幾米，這樣才能看出印象派對光與色的獨到處理確有超越前人的地方。
３。我認為這幅也是莫奈的作品，但沒辦法確認。
４。梵高的作品《郵差》（Postman），梵高喜歡重複同一題材，他畫過很多幅郵差、很多幅向日葵、很多幅自畫像。梵高是後印象派（Post Impressionism）最傑出的代表，也是最為人知的現代派畫家。
５。梵高的名作《星夜》（starry night）。梵高在這裏用他擅長的斷斷續續的短弧線與互補色，描畫出一個充滿了騷動與詭異氣氛的夜空，成功地把觀眾領進了他的情感世界。我ＰＳ完這張照片後才發覺畫的右上角是一輪彎月。
６。野獸派（Fauvism）代表畫家馬蒂斯（Matisse）的跳舞（Dance 1）。野獸派用平塗的、強烈的色彩，來表現具有震撼力的視覺效果。
７。蒙德裏安（Mondrian ）的著名油畫《百老匯爵士樂》（Broadway Boogie Woogie）。蒙德裏安是非具象（ non-representational ）繪畫的創始者之一和風格派（neoplasticism 或 De Stijl ）運動的重要推手。早期大量的作品風格介於印象主義和後印象主義之間，之後從事純幾何形的抽象創作，在平麵上把橫線和豎線加以結合，形成直角或長方形，並在其中安排原色紅、藍、黃及灰色。他認為藝術是一種淨化，隻有用抽象的形式，才能獲得人類共同的精神表現。蒙德裏安一度絕對到反對使用斜線，並因這一堅持而退出了風格派。
８。夏加爾（Chagall ）的《我和我的村莊》。夏加爾遊離於一切流派之外，他的畫中呈現出夢幻、象征性的手法與色彩，“超現實派”（Surrealism）一詞就是為了形容他的作品而創造出來的。畫上有古怪的人物、動物、顛倒的房屋、樹木和人，時空被打亂，正常透視比例被放棄，一切事物好象失去了重力一般被任意安置在空間。隻有“我”與那頭大母牛在親切地對話。背景有典型的俄國房子，還有教堂與鍾樓。畫家用重疊法，在牛頭中又添畫了婦女擠奶形象。前景正中，畫了一棵開花的樹。這一切，殘留在記憶中的雜亂形象疊現出來，成了一幅夢的寫照，一個色彩的奇境。我剛看到這幅畫時，以為是達利（Dali）的作品。
９。莫迪裏阿尼（Modigliani ）的《斜倚的裸體》（Reclining Nude ）。莫迪裏阿尼是與夏加爾類似的“無派別”畫家，他創作的女性裸體基本采用細線勾描和色彩平塗（有別於高更的粗線勾描、色彩平塗），整體效果卻有著古典女人的迷人感覺，給人一種獨特的憂鬱之感。
１０。畢加索《亞維農的少女》（Demoiselles d'Avignon）。這是畢加索形成自己風格之後的第一件大作，他延續了塞尚提出的“將自然概括成圓球體、圓柱體和圓錐體”的方法，但是變塞尚的隱性方式為顯性方式，並且運用了非洲黑人的麵具，加之描寫的對象都是妓女，這在當時的藝術界引起了強烈的震撼。注意到當時的畢加索尚未將所以物體置於一個平麵，所以還有些許立體的感覺。
就像巴黎的奧塞博物館珍藏了最多的印象派名作，紐約現代藝術博物館收集了畢加索主要的代表作。畢加索開創了立方主義（Cubism），中文也翻譯為“立體主義”，兩個譯法都不好，但立體主義更差。原因很簡單，畢加索一輩子都在竭盡全力將物體平麵化，他的作品中最不容易看到的就是“立體”。立方主義忠實於原文Cubism，隻不過原文Cubism就不很貼切，所以畢加索從來沒有承認過。
１１。畢加索的《三個音樂家》（Three Musicians），分析立方主義（Analytical Cubism）的傑作，物體被拆解、疊加；再拆解、再疊加。立體感更弱，幾何形狀更明顯。
１２。畢加索的《醜角》（Harlequin ），綜合立方主義（Synthetic Cubism）的開山之作。畢加索在綜合立方主義階段喜歡用類似彩色剪紙拚貼的手法，呈現出一種純粹平麵化的效果。再後來畢加索索性就把自己變成了一個剪紙藝人。
１３。畢加索的《鏡前的少女》（Girl before a Mirror）。因為多視點的運用（這手法始於塞尚），另半張臉出現在一個平麵上了。
１４。畢加索
１５。畢加索《Woman with Pears》
１６。畢加索
１７。畢加索《Three Women at the Spring》。這種粗獷與力度乍一看還以為是高更的作品。
１８。波洛克（Pollock），抽象派（Abstract Expressionism）大師，美國本土出產為數不多的世界級畫家。波洛克的作品很容易辨別，想認錯還不容易。他的作品第一個特點是大（好像美國的一切都以大為不二法門），牆麵小些都掛不下，看著蠻震撼的，所以有人說它代表了美國精神；第二個特點是標題就一編號，也難怪，還真不容易給這樣的畫作起名字；第三個特點是看著差別不大，雖然波洛克說他自己每一次潑灑顏料都不是偶然的，有其目的性，不過我強烈懷疑。
１９。波洛克
２０。室內裝璜
２１。室內裝璜
２２。室內裝璜
