近來刀郎的《羅刹海市》風靡海內，其與所謂的京城大腕們的恩恩怨怨更是街頭巷尾，網上網下談論的熱題。因而我便去將整個專輯完整地聽了一遍。聽完後不禁為之拍案叫絕。而後更是對幾首鍾愛的歌曲反複聽了多次。除了《羅刹海市》之外，《畫皮》宛如一支為夜總會所作的精美的爵士樂曲，隻要調杯雞尾酒，調暗燈光便可以反複欣賞，回味無窮。又比如我認為整張專輯裏曲調和諧度最高，也就是最為朗朗上口的《顛倒歌》，聽上去真的是沉浸其中，渾身放鬆。
可以說刀郎新作《山歌廖哉》是利用當代音樂的技術風格對中國民間音樂的一次嚴肅而成功的嚐試，對發展中國民族音樂，並使其成為世界音樂史上一份不可或缺的遺產意義非常。
中國音樂史，如果追溯下來，至少可以和古希臘一樣長。然而中國音樂卻從未像其他藝術方麵在世界上引起巨大反響。究其根本，無外乎三個方麵。
第一是音色不夠豐富。中國的音樂是以五音為根本。五音：宮—商—角—徵—羽，對應於西方音樂的7音結構就等於少了兩個音。用簡譜來說，五音對應的是1，2，3，5，6, 少了4（F）和 7（B）這兩個音，自然聽起來就比較的寡淡。
第二個是有曲調，無節奏。簡而言之就是不用（或者說是）打不起拍子來。這個問題其實並不是隻有負麵效果。因為曲調更簡單，也不用考慮節奏，隻需朗朗上口就好。所以很多民間音樂誰都會哼，誰都會唱。比如陝北民歌信天遊。牧羊老漢也可以隨時隨地高歌一曲，很有點意大利牧歌的意思（這個後麵還會談到）。然而問題在於，這種簡單的音樂曲調卻使得將中國音樂進一步發展形成了障礙。
第三個就是中國的戲劇發展因為另一種較之音樂更為輝煌的遺產-詩詞的禁錮，沒有能夠幫助中國音樂成為一種獨立的藝術語言。中國戲劇的前身可以說是宋詞，因為詞本來就是可以唱的。每一種詞牌對應一個固定的曲調。後來人們把這些通過去粗取精後的不同的曲調填上歌詞，再搬上舞台用來講述一個故事，就成了戲劇。因而中國戲劇從來不以音樂為主（因為曲調都是一樣的），而最主要的創作作因素是歌詞。可以說中國戲劇資元朝興起後到了明朝的湯顯祖就已經達到了頂峰：原來姹紫嫣紅開遍，似這般都付與斷井頹垣。良辰美景奈何天，賞心樂事誰家院！朝飛暮卷，雲霞翠軒；雨絲風片，煙波畫船——錦屏人忒看的這韶光賤！這裏麵從對景物的描述到人物的心理活動都是由歌詞刻畫得栩栩如生，而音樂扮演的根本就是一個輔助的角色。
反觀西方音樂的發展，卻是因為在文藝複興時期突破了類似的以詞帶樂的束縛，才發展出了歌劇，交響樂等等獨立的藝術形式。進而為當代音樂打下了完美的基礎。
文藝複興以前音樂的唯一職責是為教堂服務，也就是專業的讚美上帝。至於民間小調那些既然不能登大雅之堂，也就不能由音樂伴奏的。後來文藝複興開始，一些意大利的開創性人物，比如Medici,在注重繪畫雕塑的同時，也試圖讓音樂創作重回古希臘時期的輝煌，雖然誰也不知道那種輝煌到底是個什麽樣子。這時候便有一些作曲家把流行鄉野的稱作牧歌的小調通過去粗取精後搬上舞台，用一組牧歌來描寫一個簡單的故事，於是便有了歌劇的前身：意大利牧歌劇。看看這個和中國戲劇的早期發展是不是很像？
最早的牧歌是沒有伴奏的，就是清唱。曲調有了，填上詞上台去唱就好了嘛。若幹個曲調填上詞就可以講述一個簡單的故事了。後來慢慢的牧歌有了樂器伴奏，但也都是以詞帶樂。而且演唱方式呆板，就像京劇那樣先要有個過門兒什麽的開始。
後來到了1600年左右，終於出現了一個大師級人物，叫做蒙特威爾第（Caudio Monteverdi）。他老人家在創作了大量牧歌劇，並反複嚐試增加其複雜度和音樂性之後，開始革命性的改變牧歌劇。最根本就是不再讓音樂局限於那些一個個的牧歌，而是創作出全新的音樂使得演員可以自由吟唱。而後進一步將詠歎調（與宣敘調想對應，後者實際上就是有伴奏的獨白，獨白內容決定於歌詞，而不是音樂）加入，創作了流傳至今最早的歌劇《奧菲歐》。詠歎調的出現，使音樂第一次在舞台劇中起到了主導作用，它的目的是表現人物的思維活動，暢想等。所以加入各種配器和多聲部演奏的音樂便可以作為一種獨立的藝術語言讓聽眾理解並產生共鳴。這一創舉也是同一時期巴洛克音樂所追求的，就是比以往更為複雜的音樂創作。等到巴赫施施然登場的時候，西方音樂的奠基石便堅實的樹立起來了。
所以返回來看一下刀郎的新作，不由得不想起西方音樂的發展史。他的這個新專輯共收錄11首歌曲。每首的曲調都源自於一種中國民間音樂。他的創作就是通過配器，和聲，不同聲部等複雜的現代音樂技術使每一隻民歌曲調豐富飽滿起來，並產生節奏而突出其樂感。這樣創作出來的音樂本省就具備充分的表達感染力。這也是為什麽我對這張專輯如此推崇的根本原因所在。
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