1、聲入人心男團 《好想大聲說愛你》
這個表演隻有鞠紅川的演唱是恰當的，其他三位，都或多或少存在著語感、腔調、氣質與流行的不搭調，蔡程昱尤其不合適，阿雲嘎使用的音色是合適的，但腔調不合適。很多唱慣了音樂劇、美聲或者民族的歌手，一旦唱流行，為了不表現得呆板，表現出來的腔調往往會誇張油滑得過頭，其實他們本人並不油滑，隻是覺得流行就是得那麽唱。這個表演幸虧是聲入人心男團演繹的（絕大多數觀眾對美聲與音樂劇有種“敬畏”感），這如果是四個《中國好聲音》學員唱出來的，或者是劉宇寧、王北車、大壯、虎二組團唱出來的，那估計會被網友罵油膩罵得很慘烈。
2、吳青峰《地心》
演唱與聲音很好，但這首歌感覺並不適合他，這旋律相對於吳青峰的音色有點“土氣”感，青峰與汪峰的氣質有很大區別，汪峰擅長宏大敘事，而且在《生無所求》這個階段，更是熱衷於探討時代、集體與個人的關係，同時他的旋律帶有大陸九十年代的味道，這首歌更是有種大陸影視劇主題曲的感覺，再加一點布魯斯的地下渾濁的氣質，這樣的題材與旋律與對吳青峰來說，偏苦、濁、舊。
而吳青峰的音色年輕且流行，還是更適合唱千禧年後具有青春氣息的台灣音樂，他也可以深沉，但吳青峰的深沉不是汪峰的那種飽經滄桑、失意彷徨的深沉，而是偏向文藝氣質與古典詩意的深沉。因此這首歌對他來說，是屬性上的不合適。這首歌適合誰唱呢？我想了下，譚晶、韓磊、沙寶亮、李曉東。
3、劉歡 《去者&情怨》
既有傳統意蘊又有現代技法，轉調很講究，尤其是在兩首歌的兩處銜接，行雲流水，絲毫沒有陳舊感，第二首《情怨》是首很好的流行與戲曲結合的作品，這首歌不少京劇名家都唱過，於魁智尤其愛唱，還說旋律寫得好，既然這些京劇名家都認同，我想在創作融合上應該是沒有什麽問題。
這個表演我挺喜歡，有一種九十年代大家族的其樂融融之感，那種圍著炭爐看央視國產古裝電視劇的氛圍總是帶有晚飯的味道，前一首是在天氣預報過後悠然響起，後一首是一集結束伴隨著片尾字幕例行而出，同時還有一股意蘊綿長、裹挾著年味與團圓感的京韻，在大城市生活中疏離慣了，突然聽到這首歌倒還有些記憶的溫情與感動。
4、齊豫《歡顏》
齊豫終於唱了這首經典之作，真如歌詞般“如夢、如幻、如真”，聽得人如癡如迷如醉。
如夢，是又一次再現了四十年前的經典，民歌時代的旋律與古典音樂的鑲飾形成了美妙的呼應，華麗而幽淡，她演繹的這些歌都是經過了時間漫長的陳釀與檢驗，是華語流行史上的珍品，這一版編曲更加壯闊而宏大，滄海桑田，歲月鎏金，記憶裏民歌時代的夢田在這聲響中浮現出一段段變遷的曆史。
如幻，她的聲音、音樂與畫麵的融合，她的年歲與身形站在那裏，綠荷夕陽中，然而聲響磅礴，她的聲音靜流有聲，脫凡又悲憫，宛如一副意境深遠的圖景；
如真，她如今的聲音帶著時間的沉澱與歲月的打磨，有著真實的人間情感與世間感悟，仿佛更堅定、沉著、矜重地從遙遠之處而來，如此真實地呈現在了你麵前。
“弦輕撥，聲低吟，那是歌……”
5、Polina Gagarina《劇已終》
技術厲害、表演用心，但歌卻聽起來有點土，像是三十多年前的歐陸高能量舞曲，“縣城溜冰場的士高”的即聽感，不是複古，而是陳舊，這樣的歌我想給十年前的尚雯婕她都不會願意唱，如果《即刻電音》上出現這樣的曲風，那估計會是跟王繹龍一樣的評價，波琳娜在音樂形態上的問題限製了她在中國受歡迎的程度，單靠現場的聲樂轟炸隻能提供短暫性的征服，而難以有持久性的喜愛，有些可惜。
6、楊坤《真的很在乎》
這首歌就如他真實的心聲，口口聲聲成績無所謂，但場場用力的表現分明很在乎；誌向無所謂，本能很在乎；嘴上無所謂，身體很在乎；內心無所謂，習慣很在乎，這就像絕大多數的人身在在名利場、競技場與焦慮時代中一樣，或者是真的想不在乎，但是本能無法避免，就像這首歌的選擇，陳舊寡淡的曲風顯示著無所謂，但聲嘶力竭的表達又是很在乎，一邊真誠，一邊矛盾。
7、畢書盡《Nothing at all》 PK 許靖韻《獻世》
大家應該都聽出來了，畢書盡的這首歌與《Creep》實在是太像了，這種像的程度難以稱得上是一個好的原創作品。我好奇的是，他的團隊以及身邊的人，難道都沒有意識到過這個問題嗎，為何還要用這首歌來參加《歌手》？不過畢書盡有著很強悍的嗓音機能，這在最後的高音質量中便可體現，這種機能與發聲習慣，更像是韓國歌手的訓練方式，我想他能上《歌手》，恰是既擁有某種風格與路線又避開了某種政策禁令，否則這樣的一個韓式“花美男”型的踢館角色還大有人選，並不能輪得到他。
相較之下，許靖韻的演唱確實應該勝出，我認為《獻世》唱得很不錯，尤其是前半段的音色，聲線非常入麥且具有唱片質感，但許靖韻的弱聲與假聲能力是高於她的強聲的，強聲並不是她的擅長，因此在後半段要爆發的部分聽起來不如前半段，但整體還是不錯的，期待她之後的表現。
8、楊乃文《浪裏遊》
楊乃文是一個出色的唱片歌手，現場也很有感染力，她曾在采訪中說過自己唱錄音與唱現場是兩種方法：在錄音室中，她唱得小心翼翼，因為收音太清楚；而在現場，卻會唱得不修邊幅，隨性而外放。
這是技術尚未爐火純青不能將現場與唱片統一的歌手，采用的一種本能而聰明的在兩種環境裏適應與轉換的方式，因為現場與唱片是兩種形態，首先音樂性都是基礎，然而現場更側重於感染力、聽覺刺激、視聽氛圍、即興的靈光與新意，而唱片則更側重於耐聽度、回味性、平衡感、聲音人格、深層次的意義與表達。
所以在傳統的現場中，唱得粗枝大葉、不修邊幅，也許存在很多的不可推敲的細節，但整體的大意與上述幾點能做到，基本就合格，尤其是身在現場聽，嘈雜的氛圍也掩飾掉很多出錯的細節與瑕疵，而在錄音室裏，盡管可以修音、剪輯與不斷重來，並且還有製作人與錄音師的即時把控，但因為收音環境的纖毫畢現，歌手要更加精確且真誠地呈現出更多的內容與細節，“大意”式的演唱在錄音室中就不合適了。楊乃文後來索性認為，連唱片都不想去追求“完美”了，因為為了精細完美的細節不斷重來，不斷進行片段的修補，到最後都不知道自己究竟想表達什麽。
然而《歌手》舞台是一個很特殊的環境，這是內地綜藝製作水平近些年突飛猛進的結果，它比的是現場，但這個現場不像音樂節、演唱會或者Live House，它收音的精細度與敏銳度卻完全不比錄音室差，每一個去過《歌手》錄製現場的人都知道，在正式錄製前，洪濤導演都會不厭其煩地來介紹演播廳裏堪比“音響界勞斯萊斯”的價值幾百萬的硬件設備，在這樣的收音環境中，若是還像唱傳統現場那樣粗枝大葉，那就會渾身破綻。
同時這種場合一定給了楊乃文巨大的心理壓力，她是一個極度容易緊張且害羞的人，記得她曾說自己在出道時的第一場表演，台下坐著公司高管與眾多業界資深人士，整個表演她唱得暗無天日，全程二十分鍾沒敢睜眼，這種心理狀態一直持續到如今。
我曾寫過，《歌手》七年，節目的核心且忠實受眾始終都在，這部分觀眾的音樂審美在不斷提高，而節目的製作者、編導、參與者的審美與品位也在不斷提高，節目從鼎盛到衰落，除了正常的生命周期以外，還有一個逐漸從粗糲而直觀、外放又誇張的生命力的噴發，到一個內斂、精致且隱晦表達的過程，這也是成熟的規律。這種成熟，也伴隨著整個節目從生產到反饋都從現場型歌手的審美，朝著唱片型歌手的審美在轉變。從第四季開始，不斷有更多的唱片向歌手在加入這個節目。
如今我們都知道，《歌手》的播出要經過“修音”，但這個“修音”並不是很多人認為的隻簡單地修了音準，而是還有更重要與更多流程的後期混音。這種播出工序能將唱片型歌手的諸多瑕疵，比如走音、破音、氣息不穩、聲量弱、人聲被樂器淹沒等進行或多或少的掩蓋與修正，而同時能將唱片型歌手的音色、格調、樂感、語感與音樂性更加完整地呈現出來。
然而這樣也形成了一種現場觀眾與電視觀眾之間越來越大的矛盾：
