歌曲詮釋的分析
摘自http://www.bh2000.net/special/sing/detail.php?id=100
一首歌曲真實的詮釋是生命的一個反映，是與詩人和作曲家因感動而創作作品一樣的深刻體驗的再現。真實的詮釋因此是再創作。大多數人抱有這樣一種觀點，那就是有一副好嗓子和一些音樂才能就是唱好一首歌曲的全部，聲音的美是歌曲本身的一個目標，這並不意味著聲音的美應當成為演唱歌曲的目的。對於真實的詮釋而言，聲音隻是手段。歌曲並不是為了誇耀聲音而創作的，運用聲音的目的是要詮釋歌曲。歌曲表演藝術要求某些本質的東西——並不是一副好嗓子和一些音樂才能，而是與歌者的心和腦子相聯係的。
和詮釋歌曲的藝術緊密相連的，是生活的藝術。一首偉大的歌曲是生命的表達，要想真實的詮釋必須對生命有敏銳的理解。一首歌曲中的詩歌和音樂必須被仔細弄清楚，當歌者把他的歌唱和他的生命聯係起來時，必須遵循詩歌所要傳達信息和作曲家真實的意圖。這一點的重要性從來沒有被年輕的歌手們所認識。
大多數年輕歌手會被這樣的問題所困擾，“你為什麽歌唱？”這是每一個聲樂學生問過自己然後做出過回答的問題。一些人說他們歌唱是因為他們自己知道或被告知他們有很好的聲音；一些人說因為他們愛音樂，發現能給朋友和周圍的小團體帶來快樂；另外的人認為歌唱能帶來好的職業生涯。所有這些回答當然都是發自內心而不是被強迫做出的。熱望中的藝術家們應當知道，如果他們希望詮釋歌曲，就應該立刻學習在歌曲中表達感情，就象他們在生活中表達感情一樣——歡快、眼淚、快樂或悲傷。對於真正致力於詮釋歌曲的藝術家來說，歌唱任何時候都是眼前的和重要的，而不僅僅是或沉迷其中或被遺忘的娛樂。情感的表達就是生命，他們應當渴望表達。
【聲音技術是一個工具】
一個可靠的聲音技術隻是歌手的工具之一，但這個工具隻有通過歌者情感表達的力量才會被釋放出來。技術可以學習，有時大約數月，但要消化吸收花費數年，因為要學會完全控製住聲音沒有捷徑；知識和對聲音的控製必須被徹底吸收掌握才能應用自如。但技術必須成為歌者的仆人，而不是他的主人，一個歌手隻有掌握這一要旨，才有可能充分表現作品。
顯然，對技術充分的掌握有助於，但並不能因此就產生偉大的歌者。一個完美的嗓子，一個完美的聲音卻沒有內涵，就好像一座漂亮的房子卻沒有任何人居住。情感表達，組成的還有想象力、關注和吸引力、音色色彩，但它們卻成了丟失的因素。一個歌手，如果他把想象力帶入到他的藝術中去，那他的歌唱就會充滿力量。當歌者在歌唱時沉浸在歌詞及其內容當中時，此刻他就是自由的。自由，對於歌手而言，就是力量；對認識而言，這種力量是無止境的，是詩歌“特性”的反射——他的情緒和情感；這種力量會支配歌者歌唱時所麵對的那些人的心靈，使他們認識到他們活著，擴充他們情感的空間，他們想象的窗戶被一下撞擊開，關於生命的感覺體驗忽然變得強烈。
因此，歌手吸引力無形的手就把他的聽眾控製在一個無形的空間中，某種不可思議的事物從歌手與聽眾、聽眾與歌手之間經過。而每一次彼此之間的作用和反作用隻會增加這種力量的等級。這種吸引力是一種純粹的天賦，隻有人類才有。它是一名歌手所能擁有的最偉大的天賦之一。因為如果擁有了它，就象擁有自由一樣，意味著力量。
現在，擁有了穩固的聲音技術，進入到情感表達、想象力、吸引力的自由世界中，擁有了力量，準備要去詮釋一首歌曲了，但還必須有音調語氣的色彩。因為沒有音調語氣的變化，藝術就沒有變化，戲劇性的說明也是不可能的。而情感，是音調語氣色彩的組成材料。歌手在這一工具的應用上存在著巨大分歧，因為歌手是他自身的工具，他不能為了音色用同一種方式工作。例如，一個鋼琴家能夠聽到鋼琴瞬間產生的聲音的質量和音色，但歌手不行，因為科學事實表明歌手不可能聽到他自己聲音在外界的音色，而必須通過聆聽者對他所完成的音的反映和評價做出判斷。今天，歌手聆聽自己的聲音成為可能，可以通過留聲機錄音的方式實現，但除非錄音方式被專業的技師所督導，否則，大家都知道錄音過程十分複雜，其結果並不總是完全誠實的。
【詩歌是歌曲的核心】
每一位詮釋歌曲的歌手的目標都是要反映和再創作曲家從詩歌自身所激發出的最初的衝動。詩歌是歌曲的核心，正是從詩歌中，歌曲賦予自身以色彩。偉大的詩作對於這門藝術來說是如此的必不可少，有人提出寧願去詮釋不同音樂中的一部完美的詩集，而不願去唱一首可愛的曲調中無意義的歌詞。歌曲的顏色，詩的意象，必須被歌者通過內心的幻想畫在每一個細節上，這樣歌曲內在的特性，也是情緒，才有可能被反映在歌者再創作所營造的氣氛當中。每一首歌曲都包含著歌者所營造的一種情緒和一種氣氛。每一首歌都有一種情緒和一種氣氛。情緒是內在的特性，氣氛是外在的。例如，在勃拉姆斯的《田野的寂寞》中，有人說，這首歌的情緒或內在的特性是這首歌曲絕對的內涵之一，而氣氛或外在特性的是一種身體的倦怠。當歌手懷著這種情緒和氛圍，帶著內心的幻想來描畫和演繹這部作品時，這樣，詮釋意味著不是一個人被投進了《田野的寂寞》，而是寧願盡快的從裏麵脫身。
在表演中，歌者或者從歌曲的這種情緒和氣氛中抽身，或是反映它，但有一點必須的是，要有清晰的吐字。大多數歌手出於這種考慮都謹慎的練習，但許多人都忽略了應該給予臉部的運動和眼神的表現以同樣關心。在日常生活中，一個人的表達和情感的特征總是通過臉部的運動和眼神的表現來實現的，所以一個人必須在演繹歌曲時做同樣的事——如果需要重申，那就是——一首歌曲是一個活生生的事物，是生命的折射。
當一個表演歌曲的歌手接受了清晰吐字的重要性，那他也就接受了節奏的重要性。因為節奏是音樂的靈魂和動力，沒有它，沒有音樂沒有表演能被完成。如果藝術家同意歌曲的架構並不是為了成為聲音的陳列而創作的，那麽當聲音詮釋歌曲時，節目的架構就顯出它真實的重要性了。一個節目，首先必須是生動的。歌曲被按照它的情緒排列比按照它的作曲家的曆史位置排列要好，而且應該被有深刻判斷力的眼光按比例挑選。公眾往往被動的坐著挨到演出結束，一首首的聆聽關於死亡和心碎的歌曲，其實其他情緒類型的歌曲也不能被忽略。音樂著作中有太多的歌曲，古典的和現代的，迷人的、詼諧的、愉快的、諷刺的，各種歌詞，這些作品必須被精心挑選，它可以以一種和諧的方式減輕任何節目中昏暗的因素。還有一種錯誤的觀點認為用英語演唱的歌曲必然不如用其他外國語言演唱的歌曲。其實有大量的英美作曲家寫的用英語演唱的歌曲，也應該被不時演唱。應該根據它們的情緒使它們在節目單中占有一席之地，而不是按照傳統偏見把它們雜亂的混稱為“應該結束的英語歌曲”。
【鋼琴家必須是一個合作的藝術家】
在音樂會的舞台上，歌者並不是一個人站著，而是要緊緊的依靠他旁邊的鋼琴家，他必須是個合作的藝術家。但歌手所需要的並不是跟著自己的“鋼琴伴奏家”，而是一位必須共同演繹歌曲和詩作內涵的同行的藝術家，一位理解歌曲的精確比例和樂句平衡的人，一位能賦予鋼琴色彩並能烘托出歌聲色彩的人。“合為一體”的處理歌曲是歌曲演繹中的一個秘訣，演繹的開始總是第一個音符，不是被鋼琴家奏出，就是被歌手唱出。這要求最親密的團隊工作，在歌曲結束前，整首歌曲的情緒決不能丟失一點。沒有一個歌手，哪怕他再偉大，可以脫離富有合作精神的鋼琴旁真正的藝術家而獨自完成音樂色調與詩意的融合。
當我們實現以上討論的總和，意味著歌曲的詮釋就實現了，對於任何歌手來說，裏麵都有些必然的概要。任何時候不要降低你的標準。不要把你和其他的藝術家做比較——這樣可能會降低你的決心和意誌。你的聲音，你的技術，你的活力，你的智力，你的才能，當你工作時屬於你自己。記住，我們每一個人都有自己的藩籬，在此範圍內，他才能屬於他自己並能最好的實現自己的目的。沒有一個老師——無論他多偉大——能給予學生所有他想要的。事實上，一個老師隻能給予學生和學生理解力的容積一樣多的東西。當然，沒有老師能向學生展示如何詮釋歌曲，因為模仿並不是詮釋——但他能向學生指出哪些事物能有助於他們理解這門藝術。因為當詮釋歌曲的標準提高後，公眾就會要求聽最好的。而最好的就是任何歌手要向他的觀眾奉獻出他清晰的吐字，音調語氣的色彩，完美的節奏，對歌曲和音樂詩句的內涵和對情緒的理解——這就意味著一首歌曲的演繹變成了生命的表達。
一首歌曲，被如此演繹，就象一塊無暇的被切割好的水晶，折射出太陽光線的所有方麵。
（原文為丹麥女高音Povla Frijsh（1881—1960）於1941年12月25日發表於《Musical America》/wh翻譯）
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