法國印象派畫家 Pierre-Auguste Renoir（25/02/1841-03/12/1919）

Pierre-Auguste Renoir, Victor Chocquet, 1876

Signature de Renoir

Dance at Le Moulin de la Galette (Bal du moulin de la Galette), 1876, Pierre-Auguste Renoir

雷諾阿

雷諾阿 ( 皮耶爾 · 奧古斯特 · 雷諾阿 Pierre-Auguste Renoir, 1841 年 ——1919 年 ) 法國
印象畫派的著名畫家、雕刻家。

最初與印象畫派運動聯係密切。他的早期作品是典型的記錄真實生活的印象派作品，充滿了奪目的光彩。然而到了（ 18 世紀） 80 年代中期，他從印象派運動中分裂出來，轉向在人像畫及肖像畫，特別是婦女肖像畫中去發揮自己更加嚴謹和正規的繪畫技法。

 

生平

1841 年生於 法國 中部偏西的城市利摩日，父親是一位裁縫，母親專做婦女的連衣裙。

1845 年，雷諾阿隨全家人一起到了 巴黎 。到了上學的時候，雷諾阿進入了一個 基督教 教友會創辦的學校。它設立在一個舊修道院的附屬建築物裏。他從小做事認真，對於識字、拚寫、計算，莫不如此。不過，突出的才能還是表現在繪畫方麵。由於家庭生活並不寬裕，為了節省紙張，他常常用父親畫衣服樣子的粉筆，在地板上作畫。對此看到眼裏的母親，為他買了練習本和鉛筆，她認為自己的孩子 “ 將來會搞出點名堂來 ” 。

雷諾阿在音樂方麵也具有天賦， 音樂 教師古諾（後來成為著名的作曲家）認為他的聲音極好，適合於唱男中音，在這方麵大有發展前途。古諾不僅單獨教給他如何識譜、演唱，而且指導他作曲，經這位老師推薦，雷諾阿進入了聖艾弗斯塔來教堂的合唱團並參加了演出。古諾還請出了修道院的院長，專門到雷諾阿的父母那裏，動員他們的兒子去學音樂。在古諾看來這是一位未來的偉大的歌手。

1854 年，一位瓷器作坊的老板，提出可以接收雷諾阿為學徒，這個行當又很為父親所欣賞，很快地雷諾阿就成為了這個作坊的學徒工。由於他心靈手巧，不久就開始在 瓷器 的邊緣上畫一些花紋，後來又轉向了人物畫。這一段經曆對於培養他分辨色彩和提高繪畫技巧，起到了重要的作用。出色的工作，使他成為學徒中的佼佼者，為此，他拿到了 120 法郎的月工資。為了提高自己、開闊眼界，中午他抽出時間到盧浮宮去觀摩那些 藝術 大師的作品，自己作速寫。晚上，有時還到雕塑家的工作室，去畫下所看到的作品圖形。此時，和他一起打工的學徒給他起的綽號是 “ 魯本斯 ” 。自從 4 年之後出現了用機器瓷器畫後，雷諾阿的工作量大為減少，隻是偶爾為一些特殊的訂貨作畫。過了不久，瓷器作坊倒閉。

離開了瓷器作坊之後，雷諾阿到了一家手工藝作坊，在扇麵和防雨窗帷上畫畫，監摹到上麵。此外，也為在巴黎的二十多家咖啡館的牆壁畫過裝飾畫，包括到巴黎郊區楓丹露森林中去寫生。他認為 “ 用鉛筆畫上幾筆，要比空洞的大道理更有價值 ” 。他的體會是 “ 一時不動畫筆，手很快會變得僵硬 ” 。

1862 年 4 月考進了美術學校。

1864 年 4 月，他通過了多次考試、在透視、素描、寫生等幾種比賽中，他都是順利地通過，他還參加了學院派的瑞士畫家格萊爾的工作室學畫。在這裏，他遇到了莫奈、巴齊依、西斯萊，並且成了好朋友。大畫室裏除去在畫架上作畫的人之外，就是隔玻璃窗的裸體模特兒。經濟上拮據的雷諾阿，時常拾起廢棄的顏料管，擠出所剩的顏料畫畫。格萊爾講話不多，作風比較 民主 、學生比較自由。畫室裏存在著不同思想的爭論。 巴齊依 、西斯萊反對學院派的保守思想，而 畢沙羅 、莫奈更為激進，他們主張完全拋棄對前輩大師的研究，隻從大自然中汲取教益。雷諾阿雖然讚同他們的基本觀點，但有一定程度上的保留。當丟勒提出應該燒掉 盧浮宮 的時候，雷諾阿持不同意見。在是熱衷於自己的直覺，還是沉醉於大師的教誨這一矛盾麵前，他始終采取了回避的態度。有一次，格萊爾問道：你好像是為了取樂而畫畫的時候，雷諾阿的回答是：假如我不是為了尋找樂趣，我就不畫畫了。

1864 年初，畫室關閉。從此，他與 西斯萊 、巴齊依、 莫奈 同樣地走上了邊創作、邊自學的道路。

autopotrait 1876


經曆

自從雷諾阿完全放棄了裝飾畫之後，他就與莫奈住在一起。他們的生活十分清苦，有一段時間，吃的主食是用畫換來的菜豆，吃的蔬菜是含 澱粉 的。所掙的不多的錢，主要用來支付畫室的房租、模特兒的工資、買烤火用的 煤 。這一時期保留下來的作品有他父、母的肖像，《狩獵的黛安娜》等。 1863 年，他的作品《舞女埃斯米拉達》入選官方沙龍，這幅畫後來被他自己毀棄。

1864 年夏，這些走上了自己探索道路的年輕畫家，先後到了巴比鬆村附近的夏依搞創作。有一次，在雷諾阿作畫時，遭到遊人的取笑，巴比鬆派畫家狄亞茲為他解了圍。同時，這位裝著一條假腿的畫家，指出了他畫麵上著色偏黑，並慷慨地告訴雷諾阿可以隨意使用他的顏料。接受了這位前輩大師的忠告以後，他的畫開始變的明亮。此時的雷諾阿為德拉克羅瓦、柯羅、庫爾貝、馬奈的作傾倒。尤其是與庫爾貝的結識，對於他走上現實主義的通道起到了重要的作用。在楓丹露森林中作畫的年輕畫家中，沒有誰比雷諾阿更接近於庫爾貝。 1866 年，他在馬洛特村完成的作品《安東尼大娘的客棧》，從題材到人物描繪的，樸實無華、用色偏暗，顯然是受到了庫爾貝畫風的影響。

在楓丹露森林中作畫的雷諾阿，由於注意力高度集中，以致林中好奇的鹿站在一旁竟全然不覺，隻是當他站起身來檢查畫麵效果，將鹿嚇跑後，他才得知。據他自己說鹿有時扒到了他的肩上，向自己的脖子吹氣，有時還把他的麵包吃掉。在這裏他的得意之作。畫麵上是一位打著洋傘的女孩，身穿白紗衣裙，手戴手套，站在樹林裏。是一幅有陽光照射和陰影的風景中的人物畫。《麗莎》與《西斯萊夫婦》，盡管仍有庫爾貝的影響，但這已是確定了畫家個性的畫作。在作品中，他不使用線條，而是以明暗層次來表現形體。

1869 年，雷諾阿與莫奈一起，在巴黎人常去遊玩的青蛙塘這個地方，畫了《青蛙塘》，他的自由的手法，表達了自己瞬間所感到的日光變幻中的景物，以及色調，是他的 “ 印象主義時期 ” 的畫作。

60 年代末期，雷諾阿常去蓋爾波瓦 咖啡 館。那裏集聚了革新派畫家，謙遜而稍帶神經質的這位畫家，不怎麽在那喧鬧的場合裏發言，對於那些理論性的問題，他也不感興趣。在他看來生活是美好的，繪畫是生活中的重要部分，以他的睿智去捕捉生活中那些美好的事物，給以體現，也就夠了。而不論別人如何。他樂於創造調子歡快的作品，他隻承認自己是個革新者。盡管與夥伴們同樣地鄙視官方藝術，但也對自己作品在沙龍落選表示惋惜。他認為爭取在沙龍展出作品是很自然的事。雷諾阿曾對丟勒 · 呂厄說過： " 我之參加沙龍，完全是一件商業事務，這就像某些藥品，它既沒有什麽益處，它也沒有什麽害處。 " 又說 " 在 巴黎 ，難得有 15 個美術愛好者喜歡那些不為 沙龍 所接受的畫。 " 在 1864 、 1865 、 1868 、 1870 年的沙龍中，都有雷諾阿的作品入選。

1870 年，雷諾阿應征入伍，到了波爾多的軍馬配種場。當那裏的一位軍官知道了他是畫家之後，提出叫他給自己酷愛美術的女兒上一點課。在這位軍官調到比利牛斯山的塔布之後，雷諾阿也隨之到了那裏，進入了騎兵團。普法戰爭結束後，他回到了巴黎。

在巴黎，他可以得到畫肖像的委托，和在他的畫室裏擺姿勢的 模特 ，巴黎悠閑舒適的生活、高雅的女士、可愛的兒童，這一切都是他所愛好的。在他畫人物時，他的弟弟愛德蒙一會向過路的男士問時間、一會攔住一位女性打聽道路，乘他們交談之際，迅速地將人物的形像記入了自己的畫本。有的時候，他也到塞納河畔的阿讓特伊，與在那裏租下了一間房子的莫奈一起畫風景。兩位畫家同樣地運用小圓點和小筆觸來表達畫麵的明暗層次，使所表現的物象具有在畫家心目中獨有的特點。在這裏，雷諾阿也為莫奈畫了 肖像 ，他是最喜歡為同夥畫像的，西斯萊、塞尚都作過他的模特兒。

在 1874 年印象派畫家第一次聯合展覽會上，雷諾阿的作品受到的責難最少，隻是有人反映他的《包廂》 " 畫的醜 " ，說他的《舞女》中人物的腿 " 軟綿綿 " 。畫家自己認為這是把他當作不足掛齒的人的原故。他說： " 不被人理睬是叫人不安的 " 。這個時期裏，印象派的畫家幾乎陷入了填不飽肚子的境地，雷諾阿已經不敢再去光顧他常常去的小飯館，盡管那裏可以記賬，因為什麽時候能還，一點把握也沒有。

艱苦的物質生活並未影響雷諾阿對於生活的熱愛，歡樂、愉快幾乎貫穿於他的全部創作活動之中。 1876 年的《烘餅磨坊街的舞會》，及 1881 年的《遊覽後的午餐》是這方麵的代表作。對於發現、挖掘現實生活，畫家樂此不疲，他常常說 " 必須隨時準備出發去尋找新的題材 " ，他在這方麵的作品，應該說是對印象派的重要貢獻。在出外采風時，如他所說 " 隨身隻帶一把牙刷和一塊肥皂 " 他蓄起了胡子，並不是為美，而是擠出了刮臉的時間去作畫。外出吃飯隻找小飯鋪，住宿就是類似安東尼大娘客棧那樣的小店。凡是能夠步行去的地方，不坐車。坐火車買的是三等慢車票，在他看來這樣不 ?? 富的生活體驗，他的作品除去大量的肖像畫和裸體畫外，也有風景畫、靜物等。它們大都是易於為人接受，包括一些反對印象主義的人，也無法拒絕。因此，在其他印象派畫家作品無人問津的時候，他的畫有市場。比如畫商馬丹，寧願出 425 法郎買下雷諾阿的《包廂》，而不要畢沙羅的畫。在買畫的收藏家中，有一位關稅局的官員肖凱，開始他靠緊衣縮食省下錢買藝術品，後來繼承了一筆遺產，是他最早地發現了雷諾阿的作品，他格外垂青於這位畫家的藝術，雷諾阿為他的夫人畫了像。 1878 年，他又畫了《維克多 · 肖凱肖像》。在一次拍賣行舉辦的畫展上，巴黎富有的出版商夏潘蒂買下了雷諾阿的《河邊的漁夫》。後來，畫家又為夏潘蒂埃夫人及其子女畫了像，（在此前的 1869 年，畫家曾為夏潘蒂埃的母親畫過像）。為此，雷諾阿得到了一筆錢，得以租到了一個帶花園的房子，屋後的花園可以使他在戶外作畫，這裏也成了朋友們的聚會之所。

1877 年，在開依波特的讚助下，印象派畫家聯展開幕，雷諾阿參與了會場布置，並提供了 22 件展品。在他的建議下，配合展覽發行了小型報紙。 1878 年，還發行了一本名為《印象派畫家》的小冊子，對包括雷諾阿在內的 5 位畫家作了簡介。書中認為他是真正的印象主義者，是這個派別的代表人物，並預言他們的藝術將被人們普遍接受。 1879 年，雷諾阿的《夏潘蒂埃夫人和她的孩子》入選沙龍，並獲得很高評價。

按照雷諾阿的說法，繪畫作品自己 “ 不會走路 ” ，為了觀摩前輩藝術大師留在自己國內的名作， 1881 年，他到了意大利。當他看到提香（ 1490 － 1576 ）畫的宮女後，激動地說真想上前去吻吻她。拉斐爾（ 1483 － 1520 ）在梵蒂岡的壁畫，給他留下了特別深刻的印象。在那不勒斯博物館，看過龐貝繪畫之後，他認為這是用很少的筆觸，描繪出了最豐富的色彩。據說隨著雷諾阿年齡的增長，他的調色板上的顏料也日益簡化，與受到此地畫家簡陋的調色板影響有關。威尼斯的美、那不勒斯的景色、維蘇威火山，都激起了他的創作靈感，從而用畫筆將它們一一地記錄了下來。

1882 年，雷諾阿患了肺炎，病中他接到了開依波特的邀請，希望他參加第 7 次聯展（ 4 、 5 、 6 將均未參加）。雷諾阿送去了 25 件作品。對於 3 月 25 日開幕的這次展覽，馬奈的評價是 " 發現了印象主義的全部光輝的作品 " 。

自從意大利之行以後，雷諾阿對於 文藝複興 時期一些藝術大師的作品、以至對於學院派的安格爾的畫風有了新的認識。到了 1883 年，據雷諾阿自己說，他的作品 " 發生了一個突變 " ，並認為自己已經走進了印象主義的死胡同。為此，他毀掉了自己的多幅油畫。他感到過去在戶外作畫，過多追求光的現象，忽略了其他，比如畫麵結構。此後，他的作品中的色彩日趨單純化，並注意將描繪的形體約束於輪廓中。借鑒了安格爾的技法，回到了傳統的表現手法上。在作畫時 , 他將要表現景物的細部，先用鋼筆仔細地描繪出來再考慮上色。在反思的基礎上，他力圖擺脫印象主義，盡管此時印象派的作品已經逐步為公眾所認可。

在受到了凡爾賽宮的一個水池邊上的 浮雕 《寧芙們》的啟發下，他先後用了 3 年的時間，於 1887 年畫成了一幅 117.8×170.9 厘米的大幅畫《浴女們》，畫麵上人物輪廓線之明顯及其色彩，都顯示了與過去不同的特點，是畫家短暫的 " 安格爾時期 " 的重要作品。這幅大作在畫店展出時，受到了觀眾的稱讚。

進入 90 年代以後，總體上看雷諾阿的油畫逐漸推動了生氣，色彩以橙、紅、棕為主，有的人物造型，由於主觀的誇張而顯得臃腫。在這期間，也創作了一些現實主義的肖像畫。

1897 年，在一次騎自行車的途中，他滑進了一個水坑，正好跌倒在一堆亂石上，右臂被摔斷，從此留下了後遺症，在右臂打上石膏的時候，他堅持用左手作畫。到了轉年的年底，右臂已不能活動。從此雷諾阿開始了和病痛鬥爭的漫長歲月。 1902 年以後，他的右眼神經部分萎縮，風濕又加速了它的萎縮，手指開始蜷縮，已捏不住畫筆。後來，又發展到走路不穩，開始是將拐杖頭包上 橡皮 防滑，很快又由一支 拐杖 變為兩支。到了 1912 年，他已經離不開輪椅，全靠妻子阿裏娜照料。即使在這種情況下，畫家依然堅持作畫，為了防止手被畫筆磨破，在手心裏墊上一塊柔軟的布。當人們看到了那畸形可怕的手、和骨關節發出咯咯響聲的時候，很難想像這位老畫家是怎樣作畫的，依然如故的是他的敏銳的目光，無論是天空還是飛鳥，或草叢中的小蟲，他都明察秋毫。完全癱瘓的後果，愈加激發了他奮力作畫的決心。

1915 年，他的夫人死於糖尿病後，雷諾阿每天由廚師從床上將他扶起，幫他坐上輪椅或汽車去作畫。再往後是坐在一靠背扶手椅上，兩旁捆上竹杠，由人將他拾起到畫室或作畫的地方，在那裏將畫布繃到上、下兩根可以轉動的橫木軸上，在作畫的過程中，可以作上下調節。 1918 年完成的《浴女圖》，就是這樣工作的。在雷諾阿去世後，經家屬商議決定將該畫贈送給盧浮宮，開始時遭到拒絕，當美國人準備買走的時候，當局決定改變初衷決定留下，避免了這件重要的作品流失國外。

嚴重的疾患、癱瘓的雙腿、嚴重變形的雙手都沒有迫使這位大師放下畫筆， 1919 年 12 月 3 日，臨終前他的要求是叫兒子遞給他素描用的鉛筆。
 

個人影響

綜觀雷諾阿的藝術生涯，不愧為印象派的先驅，他的早、中、期作品當屬印象主義範疇。自 19 世紀 80 年代中期以後，開始與印象主義決裂。總的說來，他既在戶外作畫，也在室內作畫。既注意在一定條件下的光景物對光反射的效果，也並不忽視景物自身的形態。在反對學院派的假想臆造、尋求生活中的實際的同時，也懷有對光、色瞬間變幻的印象的興趣。他使用明快漂亮的顏色，也關注細致鮮明的輪廓。他既有印象派稱道的直接描繪自然界的作品，又有大量頗具個人特色的人物畫。與前輩人物畫家比較，他的人物畫生動活潑、色彩豐富。他經常描繪的對象是婦女和兒童，在他筆下的人物中，看不到憂鬱、傷感，而是美好的、愉快的、迷人的。這正如著名作家莫泊桑對他的評價 " 他把一切都看得那麽美好 " 。除去中、後期為一些富人和顧客畫過一些肖像畫外，畫中人物主要是親友、畫家、普通百姓、兒童等，表現的是他們的日常生活和平凡的舉止。包括其他題材的作品在內，它們多不具有什麽重大社會意義，缺少的是批判性的評價，即使是他的人物畫，他也並不刻意描述其內心世界，這也許就是畫家的追求。

The umbrella ( Les parapluies)  1881-1886
National Gallery London
(我最喜歡的一張畫之一）


Girls at the Piano, 1892, by Pierre-Auguste Renoir, Musée d'Orsay, Paris.


On the terrace , 1881, Art Institut Chicago

The Theater Box, 1874 by Pierre-Auguste Renoir, Courtauld Institute Galleries, London

The Swings (La Balançoire) , 1876, Musee d'orsay


Au concert dans une loge à l'Opéra


La Baigneuse en dormi, 1897



Gallery

Julie Manet with cat, 1867	La Grenouillère, 1868, National Museum, Stockholm, Sweden	Portrait of Alfred Sisley, 1868	Claude Monet Painting in His Garden at Argenteuil, 1873, Wadsworth Athenaeum, Hartford, Connecticut
Portrait of Claude Monet, 1875, Musée d'Orsay, Paris, France	Jeanne Durand-Ruel, 1876, Barnes Foundation Merion, Pennsylvania	A Girl with a Watering Can, 1876, National Gallery of Art, Washington, D.C.	Mme. Charpentier and her children, 1878, Metropolitan Museum of Art, New York
By the Water, 1880, Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois	Luncheon of the Boating Party, 1880–1881, The Phillips Collection, Washington, D.C.	Portrait of Charles and Georges Durand-Ruel, 1882	Dance in the City, 1882–1883, Musée d'Orsay, Paris, France
Dance in the Country (Aline Charigot and Paul Lhote), 1883, Musée d'Orsay, Paris	Pencil study for Dance in the Country 1883, Honolulu Academy of Arts	Children at the Beach at Guernsey, 1883, Barnes Foundation Merion, Pennsylvania	In the Garden, 1885, Hermitage St. Petersburg
Girl With a Hoop, 1885, National Gallery of Art, Washington, D.C.	Girl Braiding Her Hair (Suzanne Valadon), 1885	Portrait of Berthe Morisot and daughter Julie Manet, 1894	Gabrielle Renard and infant son Jean Renoir, 1895
The Artist's Family, 1896, The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania	Portrait of Ambroise Vollard, 1908	Portrait of Paul Durand-Ruel, 1910	Self-portrait, 1910

Nudes

Diana the Huntress, 1867, The National Gallery of Art Washington, DC	Nude In The Sun, 1875, Musée d'Orsay, Paris, France	Seating Girl, 1883	The Large Bathers, 1887, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, Pa.
After The Bath, 1888	Three Bathers, 1895, Cleveland Museum of Art Cleveland, Ohio	Woman on a Couch (Gabrielle), 1906–1907	After The Bath, 1910, Barnes Foundation, Merion Pennsylvania
Woman At The Well, 1910	Seated Bather Drying Her Leg, 1914, Musée de l'Orangerie, Paris, France	Women Bathers, 1916, National Museum, Stockholm, Sweden	Bathers, 1918, Barnes Foundation, Merion Pennsylvania

Petite fille avec un cerceau, (1885)	Sur la balançoire, (1876), Musée d'Orsay, Paris	Les pêcheuses de moules à Berneval, (1879)	Monsieur Fournaise, (1875), Clark Art Institute, Williamstown	La femme à l'éventail, (1880), Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg	Mère et enfant (1881), The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie
La Loge, (1874), Courtauld Institute Galleries, Londres	La Dame à l'éventail, (1908), Ex Collection Durand-Ruel, New York	Jeune fille à la mandoline (1918), Ex Collection Durand-Ruel, New York	Jeune fille lisant, (1874-1876), Musée d'Orsay, Paris	Mademoiselle Irène Cahen, d'Anvers, (1880), Fondation et Collection Emil G. Bührle	Jeune fille assise (1883), Collection privée, Paris
Gabrielle à la chemise ouverte (1907) Ex Collection Durand-Ruel, Teheran	Buste de femme, (1872-1875), The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie	Jeune baigneuse, (1892), Metropolitan Museum of Art, New York	Chemin montant dans les hautes herbes (v. 1875), Musée d'Orsay, Paris	Enfants au bord de la mer à Guernsey

Selected works

• Mademoiselle Romaine Lacaux (1864)
• La Promenade (1870)
• Monet Painting in His Garden at Argenteuil (1873)
• La Loge (1874)
• The Dancer (1874)
• Woman with Fan (1875)
• The Swing (1876)
• Lunch at the Restaurant Fournaise (The Rowers' Lunch) (1875)
• Girl with a Watering Can (1876)
• Bal du moulin de la Galette (1876)
• Nude in the Sunlight (1876)
• At the Theatre (La Première Sortie) (1877)
• Madame Charpentier and Her Children (1878)
• Jeanne Samary (1879)
• Acrobats at the Cirque Fernando (Francisca and Angelina Wartenberg) (1879)
• Two Women with Umbrellas (1879)
• On the Terrace (1881)
• Luncheon of the Boating Party (1881)
• The Piazza San Marco, Venice (1881)
• Blonde Bather (1881)
• Alice and Elisabeth Cahen d'Anvers (Pink and Blue) (1881)
• By the Seashore (1883)
• Umbrellas (1883)
• Dance at Bougival (1883)
• Fog at Guernsey (1883)
• Dance in the City (1883)
• Children on the Sea Shore in Guernsey (1883)
• The Bay of Moulin Huet Seen Through the Trees (1883)
• Girl with a Hoop (1885)
• Bathers (1887)
• The Bather (After the Bath) (1888)
• Young Girl with Daisies (1889)
• In the Meadow (1890)
• The Apple Sellers (1890)
• Two Girls at the Piano (1892)
• Vase of Chrysanthemums (1895)
• Coco (1905)
• Standing Bather (1906)
• Nude (1910)
• The Farm at Les Collettes, Cagnes (1908–1914)
• The Concert (1918)

Bibliography

• Claude Roger-Marx (1952). Les Lithographies de Renoir. Monte-Carlo: Andre Sauret. 
• Joseph G. Stella (1975). The Graphic Work of Renoir: Catalogue Raisonne. London: Lund Humphries. 
• Jean Leymarie et Michel Melot (1971). Les Gravures Des Impressionistes, Manet, Pissarro, Renoir, Cezanne, Sisley. Paris: Arts et Metiers Graphiques. 
• Michel Melot (1996). The Impressionist Print. New Haven: Yale University Press. 
• Theodore Duret (1924). Renoir. Paris: Bernheim-Jeune. 
• Paul Haeserts (1947). Renoir Sculpteur. Bruxelles: Hermès.  
  
  
  
  
  
  
  
  

  Auguste Renoir (Pierre-Auguste, dit) né à Limoges 25 février 1841 décédé à Cagnes-sur-Mer 3 décembre 1919, est l'un des plus célèbres peintres français. Membre à part entière du groupe impressionniste, évolue dans les années 1880 vers un style plus réaliste sous l'influence de Raphaël. Peintre de nus, portraits, paysages, marines, natures mortes et scènes de genre, pastelliste, graveur, lithographe, sculpteur et dessinateur.

  Plus intéressé par la peinture de portraits et le nu féminin que par celle des paysages, il élabore une façon de peindre originale, qui transcende ses premières influences (Fragonard, Courbet, Alfred Dehodencq, Monet, puis la fresque italienne).

  Pendant environ soixante ans, il a peint à peu près six mille tableaux, ce qui est un record avant Picasso
  
  

  Pierre-Auguste Renoir est né à Limoges le 25 février 1841, sixième de sept enfants. Son père, Léonard Renoir (1799-1874) est tailleur, sa mère, Marguerite Merlet (1807-1896) est couturière. La famille vit alors assez chichement. En 1844, la famille Renoir quitte Limoges pour Paris, où son père espère améliorer sa situation. Pierre-Auguste y suit sa scolarité.

  À l’âge de 13 ans, il entre comme apprenti à l’atelier de porcelaine Lévy Frères & Compagnie pour y faire la décoration des pièces. Dans le même temps, il fréquente les cours du soir de l’École de dessin et d’arts décoratifs jusqu’en 1862. À cette période il suit des cours de musique avec Charles Gounod qui remarque cet élève intelligent et doué^[2].

  1858 : à l’âge de 17 ans, pour gagner sa vie, il peint des éventails et colorie des armoiries pour son frère Henri, graveur en héraldique.

  En 1862, Renoir réussit le concours d'entrée à l’École des Beaux-Arts de Paris et entre dans l’atelier de Charles Gleyre, où il rencontre Claude Monet, Frédéric Bazille et Alfred Sisley. Une solide amitié se noue entre les quatre jeunes gens qui vont souvent peindre en plein air dans la forêt de Fontainebleau.

  Ses relations avec Gleyre sont un peu tendues et lorsque ce dernier prend sa retraite en 1864, Renoir quitte les Beaux-Arts. Cependant, alors que la première œuvre qu’il expose au salon (l’Esméralda 1864) connait un véritable succès, après l’exposition, il la détruit. Les œuvres de cette période sont marquées par l'influence d'Ingres et de Dehodencq dans les portraits, de Gustave Courbet (particulièrement dans les natures mortes), mais aussi d'Eugène Delacroix, à qui il emprunte certains thèmes (les femmes orientales, par exemple). En 1865, Portait de William Sisley et Soir d’été sont acceptés par le Salon, ce qui est plutôt de bon augure. Un modèle important à cette époque pour lui est sa maîtresse Lise Tréhot : c'est elle qui figure dans le tableau Lise à l'ombrelle (1867) qui figura au salon 1868, et qui suscita un commentaire très élogieux de la part d'un jeune critique nommé Émile Zola. Mais en général, la critique fut plutôt mauvaise, et de nombreuses caricatures parurent dans la presse.

  On sait maintenant par Marc Le Cœur et Jean-Claude Gelineau qui ont publié une communication en 2002 dans le catalogue de l'exposition Renoir à Sao Paulo, l'existence de deux enfants qu'il avait eus au cours de sa longue liaison avec Lise Tréhot : Pierre né à Ville d'Avray, le 14 septembre 1868 (on ignore le lieu et la date de son décès) et Jeanne, née à Paris X^e, le 21 juillet 1870, décédée en 1934.

  Le séjour que Renoir fit avec Monet à la Grenouillère (établissement de bains sur l'île de Croissy-sur-Seine, lieu très populaire et un peu « canaille » selon les guides de l'époque) est décisif dans sa carrière. Il peint véritablement en plein-air, ce qui change sa palette, et fragmente sa touche (Monet va beaucoup plus loin dans ce domaine). Il apprend à rendre les effets de la lumière, et à ne plus forcément utiliser le noir pour les ombres. Dès lors, commence véritablement la période impressionniste de Renoir.

  

  

  Pierre-Auguste Renoir, Victor Chocquet, 1876

  Il expose avec ledit groupe de 1874 à 1878 (ou 1879?) et réalise son chef-d'œuvre : le Bal du moulin de la Galette, à Montmartre, en 1877 (Paris, Musée d'Orsay). Le tableau est acheté par Gustave Caillebotte, membre et mécène du groupe.

  Cette toile ambitieuse (par son format d'abord, 1 m 30 x 1 m 70) est caractéristique du style et des recherches de l'artiste durant la décennie 1870 : touche fluide et colorée, ombres colorées, non-usage du noir, effets de textures, jeu de lumière qui filtre à travers les feuillages, les nuages, goût pour les scènes de la vie populaire parisienne, pour des modèles de son entourage (des amis, des gens de la « bohème » de Montmartre).

  Autour de 1880, en pleine misère (Renoir n'arrive pas à vendre ses tableaux, la critique est souvent mauvaise), il décide de ne plus exposer avec ses amis impressionnistes mais de revenir au Salon officiel, seule voie possible au succès. Grâce à des commandes de portraits prestigieux - comme celui de Madame Charpentier et ses enfants - il se fait connaître et obtient de plus en plus de commandes. Son art devient plus affirmé et il recherche davantage les effets de lignes, les contrastes marqués, les contours soulignés. Cela est visible dans le fameux Déjeuner des Canotiers (1880-81) de la Phillips Collection (Washington), même si le thème reste proche de ses œuvres de la décennie 1870. On peut apercevoir dans ce tableau un nouveau modèle, Aline Charigot, qui deviendra sa femme en 1890 et la mère de ses trois enfants, Pierre, Jean (le cinéaste) et Claude dit "coco".

  Les trois danses (Danse à Bougival, Boston; Danse à la ville et Danse à la campagne, Musée d'Orsay, vers 1883) témoignent aussi de cette évolution.

  Entre 1881 et 1883, Renoir effectue de nombreux voyages qui le mènent dans le sud de la France (à l'Estaque, où il rend visite à Cézanne), en Afrique du Nord,où il réalise de nombreux paysages, et en Italie. C'est là-bas que se cristallise l'évolution amorcée dès 1880. Au contact des œuvres de Raphaël surtout (les Stanze du Vatican) Renoir sent qu'il est arrivé au bout de l'impressionnisme, qu'il est dans une impasse, désormais il veut faire un art plus intemporel, et plus sérieux (il a l'impression de ne pas savoir dessiner). Il entre alors dans la période dite ingresque ou Aigre, qui culmine en 1887 lorsqu'il présente ses fameuses Grandes Baigneuses à Paris. Les contours de ses personnages deviennent plus précis. Il dessine les formes avec plus de rigueur, les couleurs se font plus froides, plus acides. Il est plus influencé aussi par l'art ancien (notamment par un bas-relief de Girardon à Versailles pour les Baigneuses). Lorsqu'il devient papa pour la première fois d’un petit Pierre (1885), Renoir abandonne ses œuvres en cours pour se consacrer à des toiles sur la maternité.

  La réception des Grandes Baigneuses est très mauvaise, l'avant-garde trouve qu'il s'est égaré (Pissarro notamment), et les milieux académiques ne s'y retrouvent pas non plus. Son marchand, Paul Durand-Ruel, lui demande plusieurs fois de renoncer à cette nouvelle manière.

  De 1890 à 1900, Renoir change de nouveau son style. Ce n’est plus du pur impressionnisme ni du style de la période ingresque, mais un mélange des deux. Il conserve les sujets Ingres mais reprend la fluidité des traits. La première œuvre de cette période, les Jeunes filles au piano (1892, une des cinq versions est conservée au Musée d'Orsay), est acquise par l’État français pour être exposée au musée du Luxembourg. En 1894, Renoir est de nouveau papa d’un petit Jean (qui deviendra cinéaste, auteur notamment de La Grande Illusion et La Règle du jeu) et reprend ses œuvres de maternité. La bonne de ses enfants, Gabrielle Renard, deviendra un de ses grands modèles.

  Cette décennie, celle de la maturité, est aussi celle de la consécration. Ses tableaux se vendent bien, la critique commence à accepter et à apprécier son style, et les milieux officiels le reconnaissent également (achat des Jeunes filles au piano cité plus haut, proposition de la légion d'honneur, qu'il refuse). Lors d'une mauvaise chute de bicyclette près d'Essoyes, village d'origine de son épouse Aline Charigot, il se fractura le bras droit^[3]. Cette chute est considérée comme responsable, du moins partiellement, du développement ultérieur de sa santé. Des rhumatismes déformants l'obligeront progressivement à renoncer à marcher (vers 1905).

  En 1903, il s'installe avec sa famille à Cagnes-sur-Mer, le climat de la région étant censé être plus favorable à son état de santé que celui des contrées nordiques. Après avoir connu plusieurs résidences dans le vieux village, Renoir fait l'acquisition du domaine des Collettes, sur un coteau à l'est de Cagnes, afin de sauver les vénérables oliviers dont il admirait l'ombrage et qui se trouvaient menacés de destruction par un acheteur potentiel^[4]. Aline Charignot y fait bâtir la dernière demeure de son époux, où il devait passer ses vieux jours sous le soleil du midi, bien protégé toutefois par son inséparable chapeau. Il y vit avec sa femme Aline et ses enfants, ainsi qu'avec tout un tas de domestiques (qui sont plus des amis que des domestiques) qui l'aident dans sa vie de tous les jours, qui lui préparent ses toiles, ses pinceaux, etc. Il revient de temps en temps à Paris également. Les œuvres de la période sont essentiellement des portraits, des nus, des natures mortes et des scènes mythologiques. Ses toiles sont de plus en plus chatoyantes, et il utilise l'huile de façon de plus en plus fluide, tout en transparence. Les corps féminins ronds et sensuels resplendissent de vie.

  Renoir est désormais une personnalité majeure du monde de l'art occidental, il expose partout en Europe et aux États-Unis, participe aux Salons d'automne à Paris , etc. L'aisance matérielle qu'il acquiert ne lui fait pas perdre le sens des réalités et le goût des choses simples, il continue à peindre dans son petit univers presque rustique. Il essaie de nouvelles techniques, et en particulier s'adonne à la sculpture, aiguillonné par le marchand d'art Ambroise Vollard, alors même que ses mains sont paralysées, déformées par les rhumatismes. De 1913 à 1918, il collabore ainsi avec Richard Guino, un jeune sculpteur d'origine catalane que lui présentent Maillol et Vollard. Ensemble, ils créent un ensemble de pièces considéré comme l’un des sommets de la sculpture moderne : Vénus Victrix, le Jugement de Pâris, la Grande Laveuse, le Forgeron (Musée d'Orsay). Après avoir interrompu sa collaboration avec Guino, il travaille avec le sculpteur Louis Morel (1887 - 1975), originaire d'Essoyes. Ensemble, ils réalisent les terres cuites, deux Danseuses et un Joueur de flûteau.

  Sa femme meurt en 1915, ses fils Pierre et Jean sont blessés durant la Première Guerre mondiale.

  Malgré tout, Renoir continue de peindre jusqu'à sa mort en 1919. Il aurait d'ailleurs, sur son lit de mort, demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière il aurait déclaré « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose »^[5] (qui résume la grande humilité avec laquelle Renoir appréhendait la peinture, et la vie).

  Impulsif, nerveux et bavard, Renoir eut souvent des opinions contradictoires, mais il fut toujours loyal envers sa famille et ses amis. De tous les impressionnistes, c’est lui qui a peint avec le plus de constance les évènements et les plaisirs des gens « ordinaires ».

  Le 3 décembre 1919, il s’éteint à Cagnes-sur-Mer, des suites d'une congestion pulmonaire^[2], après avoir pu visiter une dernière fois le Musée du Louvre et revoir ses œuvres des époques difficiles. Il est enfin reconnu.

  Il est enterré le 6 décembre à Essoyes, dans l'Aube.

  Peintures

  « Renoir peint souvent en utilisant les couleurs de l’arc-en-ciel et avec des touches brèves. Les ombres sont souvent bleu vif et non pas noires »
  Les touches de lumière ne sont pas blanches mais se jouent dans les tons de bleu.
  Renoir aime les femmes. Dans ses œuvres, on les retrouve souvent dans des formes charnelles avec des bouches petites et charnues, aux lèvres souvent très rouges.
  
  
  
  

  
   Lise à l’ombrelle , Musée Folkwang, Germany
  

  Exposé au Salon en 1868, le tableau fut acheté par le critique Théodore Duret, en même temps que En été ( ou La bohémienne ).

  La toile est peinte dans les tons de blanc, cher aux impressionnistes. On retrouve Lise sous le feuillage de la forêt de Fontainebleau. Renoir fait déjà jouer les ombres et la lumière sur la robe de Lise. Il abandonne ses couleurs sombres. Lise a déjà les traits caractéristiques des visages féminins de Renoir. Cette œuvre est largement inspirée par Courbet.
  

  
  
  
  
  
  Madame Charpentier et ses enfants ,Renoir 1870 -1877
  Metropolitan Art Musem ,  

  Exécuté en 1878, ce tableau remporta un vif succès au Salon de Paris de 1879.Ce portrait de groupe de la fin de la période impressionniste représente Marguerite-Louise Lemonnier (Madame Charpentier) (1848-1904) et ses enfants, Georgette-Berthe (1872-1945) et Paul-Emile-Charles (1875-1895). Marguerite-Louise était la femme de Georges Charpentier, l'éditeur très en vue d'Émile Zola, d'Alphonse Daudet et de Guy de Maupassant et tenait, avec son mari, une place importante dans le milieu intellectuel de l'époque.

  Dans ce tableau, Renoir a peint une composition inhabituelle chez lui. On y retrouve un peu l’arrangement d’une peinture religieuse (rappelant Rubens, avec le chien remplaçant l’agneau). La scène vibre grâce au registre de tissus et de lumière circulant dans la pièce. Seul Renoir pouvait tirer la poésie de ce lieu de milieu mondain même si cela lui a été reproché par certains.

  Les enfants et leur maman ont les traits que Renoir réserve aux femmes : la rondeur, les formes, les jolis visages. Ses œuvres de la période sont marquées par l'influence de Alfred Dehodencq.

  Renoir, n'ayant pas souhaité participer à la quatrième « Exposition impressionniste » en 1878, proposa Madame Georges Charpentier et ses enfants au « Salon officiel ». Accepté par le jury, le tableau y remporta un grand succès. Camille Pissarro écrivit à ce propos : « Renoir a un grand succès au Salon. Je crois qu'il est lancé, tant mieux, c'est si dur la misère ! ».

  
  

  
  
  
  
  
  Déjeuner des canotiers Phillips Collection
  

  (période impressionniste)
  Il s’agit de la dernière grande œuvre de Renoir dans ce style. Le tableau a été peint sur la terrasse de la Maison Fournaise à Chatou.

  On y retrouve les jeux d’ombres et de lumière dans les tons de bleu, les visages féminins typiques de Renoir. Cette peinture est composée avec un étonnant contraste entre le fond et les personnages dans des tons pastels mais vifs assez fondus, et les quelques objets et mets très contrastés sur la table avec des fruits aux couleurs très vives aux traits puissants et relativement purs, et des gros empâtements de blanc pur pour les reflets. Les reproductions imprimées sont rarement fidèles à l'original. L'image ci-contre ne présente pas non plus tous ces contrastes.

  Comme d’habitude, Renoir y fait participer un grand nombre de ses amis : Aline Charigot (la femme au chien et sa future épouse), Gustave Caillebotte (peintre), M. Fournaise (restaurateur), son fils Alphonsine Fournaise, le baron Raoul Barbier, Paul Lhote, Lestringuez, Ellen Andrée (actrice), Jeanne Samary (actrice), ainsi que son banquier M. Ephrussi qui fut rajouté par la suite. Les restes du repas prouvent que Renoir était un peintre talentueux en nature morte. Dans le paysage du fond, on aperçoit des canots.
  
  Bal du moulin de la Galette

  Cette toile^[6] achevée en septembre 1876 est une huile sur toile qui mesure 1,31 m de hauteur par 1,75 m de largeur. Elle a été présentée à la troisième "Exposition impressionniste" et est maintenant conservée au musée d’Orsay, au niveau supérieur, salle 32.

  La scène se déroule en plein air (contrainte que s'imposaient les impressionnistes), un dimanche après-midi, un jour de beau temps au Moulin de la Galette à Montmartre. Les personnes présentes dans la scène sont des amis du peintre : modèles, peintres, habitués du lieu, parmi lesquels on reconnaît : l’écrivain Georges Rivière, le peintre Goeneutte, Lamy qui sont installés à la table du premier plan et une dénommée Estelle qui est assise sur le banc ainsi que Frédéric Samuel Cordey. Renoir représente ainsi sur sa toile, une foule joyeuse de personnes de tous les milieux sociaux, qui partagent du bon temps, dansent à gauche, bavardent à droite, fument et boivent. Tous ces personnages sont représentés en action ce qui suscite des questions telles que : manœuvre de séduction ou dispute?...

  On peut définir trois plans: au premier plan on a la discussion des personnes assises, au second plan les danseurs et au troisième plan des bâtiments où l’on aperçoit l’orchestre.

  Au lieu d’utiliser comme le font la plupart des peintres, la netteté au premier plan puis progressivement un flou, il met le flou partout et la seule distinction de profondeur se fait par la taille des personnes représentées. Il décide de représenter cette scène dans une ambiance bleutée parsemée de taches de lumière réparties inégalement comme si elles traversaient le feuillage des arbres pour parvenir auprès de la foule.

  C’est grâce à la lumière que Renoir fait ressortir ces personnages, par exemple le couple à gauche de la scène semble être entouré de lumière au sol et la robe rose clair de la femme renforce cet effet et les met en avant.

  Renoir utilise des couleurs pastel plus ou moins vives à certains endroits
  
  
  

  Au jardin - Sous la tonnelle au moulin de la galette

  Au jardin - sous la tonnelle au moulin de la galette

  Auguste Renoir, 1876

  huile sur toile

  81 × 65 cm

  Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou

  Peint dans son atelier de la rue Cortot à Montmartre pendant l'été 1876 comme un autre de ses chefs-d'œuvres la balançoire^[7], ce petit tableau, pièce rapportée du célèbre Bal au moulin de la galette est remarquable à plus d'un titre.

  En premier lieu le travail sur la lumière qui filtre à travers le feuillage , ensuite la composition dense et rayonnante qui organise les personnages, non en lignes horizontales comme dans le bal mais en cercles concentriques, les uns debout, les autres assis, tous regroupés autour de cette petite table, centre de gravité de l'œuvre, pour ne former plus qu'un, la palette chromatique large et profonde structurée autour du jaune orangé comme un soleil irradiant ses chaudes vibrations, et enfin, loin des grandes conventions de la peinture académique, le fait de peindre le personnage au premier plan, une jeune femme à la robe blanche rayée, de trois quart dos, ce qui accentue la dimension naturelle et spontanée de l'œuvre (comme un cliché de photographe pris sur le vif). Ce tableau qui faisait partie de la collection Ivan Morozov^[8] est en quelque sorte un résumé de l'art de son auteur.
  
  
  Jeunes filles au piano

  (période nacrée)

  Il représente une scène familiale de deux jeunes filles jouant du piano. Les deux jeunes filles ont déjà le corps charnel des femmes que Renoir aimait peindre. Cette toile n’est plus du pur impressionnisme mais on n’y retrouve pas les traits de pinceau précis de la période ingresque. Les vêtements des enfants n’ont pas été embellis ce qui rend cette toile plus réelle. Cette œuvre a été réalisée de 5 manières différentes car Renoir savait que l’État Français souhaitait faire un achat. Grâce à cette toile, Renoir est enfin reconnu.

  Claude Renoir en clown

  

  Auguste Renoir, Claude Renoir en clown, 1909

  (1909, huile sur toile (120 x 70 cm), musée de l’Orangerie, Paris)
  (période cagnoise)

  Il s'agit d'un portrait de Claude, habillé d’un costume bouffant rouge. Renoir souligne les formes bouffantes du costume ce qui confère une certaine présence et une certaine autorité au jeune garçon. Les colonnes sont peintes en oblique.

  Le clown, symbole même du machiavélisme, était très présent dans les toiles de Renoir.

  Lors de la pose, Claude avait refusé de porter des bas de laine : il a fallu acheter des bas de soie.
  

  Femme nue couchée [modifier]

  

  Auguste Renoir, Femme nue couchée (Gabrielle)

  Ce nu allongé, ayant Gabrielle pour modèle, est parmi les œuvres les plus sensuelles de Renoir. Peint pendant la première décennie du XX^e siècle, il se rattache à la période dite nacrée de l'artiste. Sur un fond neutre, qui contraste avec l’impression de mollesse qui se dégage de la forme et de la position des coussins, Renoir a placé une jeune femme nue, allongée sur un drap blanc, le corps sur le côté gauche, la tête retenue par la main.

  On connaît de nombreuses toiles de Renoir représentant des femmes nues dans la nature en harmonie avec le paysage environnant. Il est plus rare de le voir peindre le nu en intérieur à la manière de Goya ou de Manet. Ici, dans une toile tout en longueur, Renoir donne libre cours à son plaisir de peindre le corps de la femme.

  Renoir conserva cette œuvre dans son atelier jusqu’à sa mort une dizaine d’années plus tard. Il est difficile de donner une date précise à cette œuvre. Trois nus ayant Gabrielle pour modèle, dans des positions légèrement différentes ont été réalisés par l’artiste. Le premier en 1903, le dernier en 1907. Celui-ci pourrait se situer entre les deux.

  Ce tableau a été exposé pour la première fois en 1927, à la galerie Bernheim-jeune à Paris. Acquis par l'État en 1960, il est exposé au Musée de l'Orangerie.
  
  
  
  
  Valadon, Suzanne (1867-1938), real name: Marie Clementine Valadon, illegitimate child, had a neglected childhood in Montmartre. At the age of 18 she herself had an illegitimate son, Maurice Valadon, who later became the artist Utrillo. She earned her living as a model; was a model and lover of Puvis de Chavannes and Renoir. Encouraged and instructed by the artists, for whom she sat as a model, she began to paint herself.
  See: Pierre-Auguste Renoir. City Dance (Suzanne Valadon and Eugène Pierre Lestringuez).
  Pierre-Auguste Renoir. Girl Braiding Her Hair (Suzanne Valadon).
  
  
  
  (all from wiki, hudong.com)