琥珀之淚
斷，舍，離
聲譜分析：
先看小背簍和山不轉水轉：
那英的長音和宋團的那個比較長的音其實是一個音高C5，咋聽感差這麽多？（宋團聽起來比那英高多了）
很簡單，宋團的高頻泛音比那英豐富的多，而低頻泛音則是那英占優勢。那當然越是高頻泛音豐富的聲音聽起來越“尖”。
再看time to say goodbye:
首先要說的是，前半句莎拉布萊曼唱的不是很美聲，所以選了後麵那句來比較。
先說說key，宋團和莎拉·布萊曼是一樣的key。那英上來唱的是低5key的。後來升了2key，所以就是低3key，圖上的那英是升key過後的。
流行民族美聲的差別在這裏一覽無遺：
1. 美聲非常重視低位置共鳴（胸腔共鳴），聲音極為渾厚有力。低位置共鳴基本是秒殺其他兩人的形態。美聲的第二關注點在高位置共鳴（頭腔共鳴）上，也就是前麵提到過的歌手共振峰。這個位置的共鳴保證了美聲的聲音是有焦點的（聽感上來說，就是感覺聲音有一個很“亮”的點），同時穿透力極強。
2. 民族唱法是基本放棄低位置共鳴（胸腔共鳴）的。轉而專攻更高位置的共鳴。所以在美聲不能達到的3500以上頻段，宋團依然能保有非常強的泛音（圖上的“更高位置共鳴”）。傳統上講這種共鳴稱之為額竇共鳴（當然這種提法不科學）。所以民族唱法聽起來極為“尖”，“亮”，穿透力更強。缺點是不夠厚重，偏假。
一句話：共鳴唱法（美聲/民族）多為混聲，要求永遠帶高位置共鳴。
3. 流行唱法是極為多樣的，很難概括。總的來說，重真聲，輕共鳴是主要的方向。比如那英，就是典型的真聲唱法。說到共鳴，那英跟另兩個顯然是沒法比的，所以同台較量，肯定是要被壓出翔的。
流行唱法為什麽要重真聲，輕共鳴？
因為這樣更貼近日常說話，更貼近人民群眾。群眾不可能去練什麽混聲，大共鳴，如果歌手唱的和群眾差得太遠，遠到群眾都不知道你怎麽搞出來的，那自然無法取得群眾的認可。沒認可咋能流行起來呢？所以必然選擇跟日常說話接近的唱法。（可這也導致了流行唱法幾乎沒有門檻，什麽貨色都可以進來冒充歌手，直接造成了現在中文流行屆廢渣滿地走的局麵）
關於那個最高音，宋團=莎拉布萊曼=G5，那英E5。視頻裏很明顯，那英是廢了好大的勁才弄出來的，共鳴啥的就不用談了。（這也回答了那英究竟能不能唱All by myself的問題，那個是7秒F5，比這個還高1key，基本可以判定她累出翔也唱不了）
要額外說明的是：無論是美聲還是民族，本質上都是混聲（真假音混合），尤其是宋團，主要以假音為主，所以那英的真聲唱法肯定是沒法跟她們拚高度的。這也是為什麽現在流行界這麽講究現代混聲技術的原因：沒有混聲音域太有限了。
民族唱法的成因和特點
說到這個問題，不得不再次回到那個慘絕人寰的無麥克風時代。和美聲一樣，在無麥時代，一切的技術情感什麽的都是次要的，最重要的就是讓別人聽到你唱什麽！所以充分開發共鳴擴大音量成了必然的選擇。
我們知道那個年代我朝的歌曲大概有兩種：
1. 戲曲。考慮到我朝素來都是“搭台唱戲”的模式，想在露天開闊環境讓圍觀群眾都聽清，還沒有麥，怎麽辦？我朝人民選擇了提高音高，同時擴大高頻泛音的假聲唱法（當然也有真聲唱法，我們主要分析假聲唱法）。比如梅蘭芳，那當然是假聲唱法，不然怎麽唱女聲？
即使是封閉環境比如茶館，要想讓全屋子的人都聽到也不是一件容易的事。一個戲班的當家名角，必須要做到茶館二樓最後一個位置也能聽得清清楚楚，這才算及格。
2. 山歌。如果真的是隔著山跟對麵的人喊，這時候就不得不借助高頻泛音了。因為隨著距離的增大，低頻比高頻衰減的快得多。高頻的聲音可以傳得更遠。比如，我們都知道越“尖”的聲音是傳的越遠的，尖叫就是傳得最遠的。
基本上，一切共鳴唱法都是要求高位置共鳴的，我們也知道有聲壓必須要有高位置共鳴。
那為何我們沒選擇跟美聲一樣的巨大的低位置共鳴（胸腔共鳴）？
因為美聲唱法不利於中文的咬字。
美聲的特點是喉位極低，測重元音飽滿和靠後發聲。有人說：美聲是元音的藝術，所以美聲誕生自意大利就很自然了——意大利文元音偏多。
其實這是一個更根本的原因（為何中文音樂和外文音樂的區別這麽大）：中文的特點決定了，低喉位不適合唱中文歌。中文裏對咬字要求比外文高得多，尤其是唇齒運用更多，注定了無法兼顧低位置共鳴（胸腔共鳴）。所以經年累月下來，我們已經養成了高喉位說話的習慣，唱歌自然也是如此。
而高喉位的缺點是明顯的：最主要的共鳴腔咽腔較小，難以獲得比較大的共鳴。所以中文的歌曲總是顯得不夠厚重。（當然另一個原因是，氣息偏弱）
現代民族唱法的由來
最開始的民族唱法是存在爭議的，所謂的土洋之爭：（http://news.ifeng.com/shendu/zgzk/detail_2013_01/15/21220849_0.shtml?_from_ralated）
一派以留洋的為主，基本就是美聲來唱中文。缺點是咬字不準確，吐字模糊不清。一派以真聲為主，強調中文咬字，缺點是聲音不夠響亮，唱多了疲勞。
直到後來金鐵霖發明了民族唱法：
現代民族唱法以美聲的混合發聲（真假音混合）為基礎，同時繼承了戲曲和山歌的高喉位假聲唱法，開發出了獨有的不限喉位混合發聲方法。
1. 聲帶技術來說實質上更接近美聲，所以有些人把民族唱法叫“有中國特色的美聲唱法”。原理上講就是真假音混合，尤其高音，會轉到全假音。具體到每個人也有不同。宋團就是明顯的假聲居多，彭則是真聲居多。
2. 不限製喉位，盡量保持低喉位的同時，允許提高喉位。
3. 基本放棄低位置共鳴（胸腔共鳴），追求特別高的共鳴（額竇共鳴）。高頻泛音非常足，穿透力極強。聽起來“尖”。
4. 重點側重咬字，要求清楚明白，聲音甜美，清亮，偏假。
5. 發聲位置靠前，符合中文的咬字習慣。
為何金氏唱法能一統江湖？
這其實是有其必然性的。事實上科學的發聲隻有一種，就是美聲。考慮到音量，音色，持久力，穿透力等因素。要想到達極致就隻有這麽一種方法。
那為了中文改良的中國式美聲（民族唱法）為什麽就不能是唯一的呢？為什麽從來沒人質疑美聲一統歐美歌劇呢？
事實上民族唱法有的問題，美聲都有，比如千人一麵。這沒辦法，共鳴開發到一定階段，本嗓的特色自然就幾乎消失了。指責民族唱法千人一麵純屬無稽之談，你怎麽不指責美聲千人一麵？
有麥時代，共鳴唱法是不是還有意義？
相信這是大家最關心的問題：既然你都說了美聲/戲曲等共鳴唱法是為了無麥時代特別產生的，現在是否依然有存在的意義呢。
答案很明確：有！而且很大！
麥克風隻是讓無共鳴唱法有了存在的可能，但並不能改變無共鳴唱法對有共鳴唱法的先天弱勢。
最大的區別體現在唱現場上：無共鳴唱法在現場聲壓很小。見https://bideyuanli.com/p/780
有人可能會疑問：我看過不少現場的視頻，沒這個問題啊？
那是因為所謂的現場視頻，都是話筒收音配上伴奏弄出來的，跟真正在現場的人聽到的聲音完全不是一回事。真正現場的人，聽到的是音響放出來的聲音。關於視頻和真現場的區別，請參考這兩篇：
可以說，現場和視頻/電視播放是完全不同的兩個概念。
以雙英會為例，我們看到的電視播出版已經很誇張了，那英的聲音小的多。其實在真現場，還會更誇張，那英的聲音會比宋團小一個數量級。
民族唱法一統晚會的原因
看了上麵的解釋，相信各位也能很自然的理解這個問題了。晚會畢竟是為了現場服務的，不是為了電視觀眾。讓現場的人聽清才是第一要務。這時候共鳴唱法就優勢太大了。
可是對群眾來說，一直都是重錄音，輕現場。聽現場的可謂極少。所以很難理解這種千人一麵的聲音怎麽能統一晚會。其實讓他們現場聽一次晚會就懂了。（不得不說，現在去聽現場的，基本都是狂熱粉絲，哪還管能不能聽見，隻要偶像看見了就嗷嗷嚎叫上了，唱得跟翔一樣也照樣吹到天上去。）
比如這樣 http://v.youku.com/v_show/id_XNzYxNzA3NTQ4.html，典型的流行歌手缺乏聲壓的下場：現場觀眾反應超冷淡。
流行唱法也有共鳴！
這一點必須強調。事實上歐美的流行高手基本都是共鳴很強的。在歐美，以美聲為底子的流行歌手遍地都是，即使不是美聲底子，也練過其他類的共鳴。所以歐美偶像派歌手少，實力派歌手多。（其實即使歐美偶像派，也基本都達到了我朝實力派的標準。我朝所謂偶像派，基本上是完全沒法在歐美混的）
這跟歐美更注重現場密不可分，錄音可以修音，可以反複調教，差不多所有人都可以調到差不多的水平。現場就完全不同了，殘疾歌手一下就露底，毫無還手之力。
隻有在我朝這個奇葩的市場裏，才會出現各式奇葩無共鳴歌手橫行的局麵。
其實，與其說民族歌手千人一麵讓人反感，倒不如說是民族歌手唱得歌太單一才讓人反感。不過這跟唱法一點關係也沒有，民族唱法一樣可以唱流行，比如玖月奇跡裏的女歌手，就是典型民族腔。
沙拉布萊德曼近期演唱的韋伯音樂劇 聲音顫抖，多處跑調，幾位男歌手隻有金發男子聲音在線，可憐的大英帝國做麽為之自豪的一部作品，隻有金發男子是在線的歌手
